BSO 365

Erich W. Korngold: "Anthony Adverse"

2011-12-10T11:57:00.001+01:00

Después de mucho tiempo en el dique seco, por otra parte obligado ya que mi deseo era sólo incluir 365 bandas sonoras clave no sólo en mi vida sino en la historia del cine, retomo la senda de la mano de uno de los más importantes e influyentes autores del siglo XX: Erich Wolfgang Korngold. En realidad, comienzo con el compositor autro-húngaro (hoy sería checo) porque repasando el blog he comprobado que sólo he incluido dos de sus trabajos para la pantalla grande. Ahora reparo la 'afrenta' con un tercer score, Anthony Adverse (El caballero Adverse), compuesto en 1936, justo antes de The prince and the pauper (El príncipe y el mendigo). Korngold, siguiendo la línea que caracterizará toda su breve pero intensa obra (18 scores en poco más de una década), compuso una partitura llena de su peculiar sentido de lo enfático, aplicando al romanticismo aún más énfasis, pero que parece en esta ocasión diluirse de manera sublimente sutil a través de suaves melodías de tono operístico cuyo componente amoroso hace de Anthony Adverse una banda sonora de arrebatada belleza.

Orquestadores: Hugo Friedhofer & Milan Roder.

Día 365: "Ben-Hur" de Miklós Rózsa (1959)

2010-11-10T00:07:00.009+01:00

En la escena cumbre de Ben-Hur, aquella en la que los dos protagonistas se preparan para iniciar la mítica carrera de cuadrigas, Messala le dice a Judah Ben-Hur "El gran día ha llegado", afirmación que puede servir de perfecta introducción a la última banda sonora de este apasionante viaje en el tiempo que ha supuesto BSO 365.

La película de William Wyler, ganadora de 11 Oscar en la ceremonia de 1960, es el ejemplo perfecto de cine histórico clásico, en el que imperaba lo recargado y majestuoso pero sin desvirtuar lo mesurado. La irregular novela de Lew Wallace fue adaptada a la gran pantalla en tres ocaciones: la citada de Wyler además de dos versiones mudas, las realizadas en 1907 y 1925. La historia de la amistad del romano Messala y el judío Judah Ben-Hur, amigos desde la infancia pero que acaban convirtiéndose en irreconciliables enemigos cuando Messala, en su regreso a Palestina como jefe militar, le pide a Judah que traicione a su pueblo y éste, obviamente, se niega, provocando con ello la venganza del despiadado Messala, es reflejada por William Wyler con su habitual pericia en la descripción de profundos y graves melodramas, pero en esta ocasión reforzando además el componente espectacular tradicional de las superproducciones del Hollywood dorado.

En cuanto a la partitura de Miklós Rózsa, plasma todo el vigor e ímpetu que ha caracterizado siempre la obra del músico húngaro. Es, en realidad, una perfecta síntesis de la misma, pues en Ben-Hur expresa su radiante entusiasmo en la descripción de situaciones, especialmente ricas en detalles en el argumento del guion escrito por Karl Tunberg.

Muchas han sido las ediciones publicadas hasta le fecha de la banda sonora, destacando dos: la realizada por el propio compositor para el sello Decca en 1977 (dirigiendo a la excepcional National Phiharmonic Orchestra londinense - imagen -), y la editada en 1996 por Rhino con la práctica totalidad del score (y que ha sido reeditada muy recientemente).

Resulta muy complejo destacar algún tema en concreto de toda la partitura de Rózsa, pero tomando como emotiva referencia (fue mi primer vinilo de importación junto a Vertigo de Bernard Herrmann) la versión de la National Philharmonic, los treces cortes que conforman dicha edición son todos ellos perfectos modelos de toda la obra. Desde el grandioso Fanfare to Prelude (Main titles) hasta los profundamente trágicos Leper's search for the Christ, The burning desert, Rowing of the galley slaves y Procession to Calvary, pasando por los que confirman a Rózsa como maestro de música ceremoniosa (Arrius' party, Parade of the charioteers), pero sin olvidar aquellos que muestran su gran sensibilidad (Star of Bethlehem and Adoration of the Magi, Friendship, Return to Judea, Ring of freedom, The mother's love, Miracle and Finale), todos ellos conforman una banda sonora impecable, un monumento musical, en definitiva, inmortal y conmovedor.

Orquestadores: Eugene Zador & Miklós Rózsa (no acreditados).

Día 364: "Legend" de Jerry Goldsmith (1985)

2010-11-09T00:20:00.006+01:00

Entre la entrañable Explorers y la prescindible aunque entretenida King Salomon's mines, Jerry Goldsmith compuso la que es para muchos su obra cumbre: Legend. La película del irregular Ridley Scott, con el que ya había trabajado con anterioridad en 1979 en Alien (de ingrato recuerdo para el músico californiano por el incoherente montaje final del filme), no tuvo en su momento la repercusión que merecía una producción de tan innegable calidad. Para Goldsmith supuso todo un reto artístico el hecho de recrear melódicamente una historia de hadas, duendes, princesas y seres perversos. Para ello recurrió a su poderoso talento como creador de motivos sólidos y majestuosamente enfáticos, pero siempre desde una línea temática más próxima al tradicional 'toque Hollywood' que a los cánones del cine comercial en el que imperaba lo electrónico. De hecho, y debido a los resultados negativos en los pases previos al estreno norteamericano, los productores tomaron el camino más corto y, por extensión, menos profesional: eliminar la partitura ejemplar de Goldsmith por la compuesta (es un decir) por Tangerine Dream, quien escribió para la ocasión un score sin carisma y a años luz de la grandeza del firmado por el genio angelino.

Temas como las canciones My true love's eyes y Living river, junto a The armour, The ring, Re-united o muy especialmente The dress waltz, constituyen el alma de una pieza sinfónica de sublime delicadeza, síntesis del estilo de un autor sin igual en la historia del cine.

Orquestador: Alexander Courage.

Día 363: "Jesus Christ Superstar" de Andrew Lloyd Webber & Tim Rice (1973)

2010-11-08T09:30:00.000+01:00

Desde The likes of us, escrita, junto al letrista Tim Rice, cuando tan sólo tenía 17 años (1965), hasta la reciente Love never dies, la obra del compositor londinense Andrew Lloyd Webber se ha caracterizado por ser una de las más exitosas dentro del difícil mundo del musical teatral. Cats, Evita, The phantom of the opera, Starlight Express o Sunset Boulevard reflejan el talento de un músico dotado especialmente para las melodías de fácil retentiva.

Webber, a pesar de su carisma mediático, no ha tenido demasiada fortuna en la escritura de scores cinematográficos. Gumshoe y, en especial, Odessa conforman una filmografía paradójicamente pobre en ideas y de baja calidad artística, si se relaciona con las magistrales composiciones citadas.

Su obra de mayor repercusión fue compuesta cuando tenía 22 años: Jesus Christ Superstar (Jesucristo Superstar). Adaptada a la gran pantalla por Norman Jewison en 1973 y protagonizada por unos excelentes vocalistas como Ted Neely, Carl Anderson e Yvonne Elliman, la película, al igual que la representación teatral, constituyó en su momento un notorio éxito de crítica y público, que se postergó en las sucesivas reposiciones que tuvieron lugar en los 80 y 90. La partitura de Webber, mezcla de rock, sinfonismo y unas muy oportunas pinceladas propias de la comedia musical, resulta una pieza apasionada e intensa, sin resquicios. Muchas de sus canciones son ya, hoy en día, auténticos clásicos de la cultura popular; Heaven on their minds, Hosanna, I don't know how to love him, Gethsemane (I only want to say) o Superstar ofrecen todo un recital de elegancia y energía que se ve reforzado por el magnífico texto del letrista Tim Rice, quien acaba otorgando a Jesus Christ Superstar el aire operístico tan poco habitual en el género musical.

Orquestadores: Andrew Lloyd Webber & Angela Morley.

Adaptación y dirección de orquesta: André Previn.

Día 362: "Poltergeist" de Jerry Goldsmith (1982)

2010-11-07T00:02:00.000+01:00

Steven Spielberg es conocido por su labor de director y productor, y mucho menos por sus guiones. Ello es debido, quizás, a que sólo ha escrito tres para la gran pantalla: Close encounters of the third kind, Poltergeist y A.I. (Artificial Intelligence). En el caso de Poltergeist (Poltergeist: Fenómenos extraños), Spielberg cedió la claqueta a Tobe Hooper, pero problemas surgidos durante el rodaje provocaron que al final tuviera que terminar él mismo la película.

Para subrayar musicalmente la historia contrató al que siempre consideró como el segundo compositor cinematográfico más importante (después, como es obvio observando su filmografía, de John Williams): Jerry Goldsmith. El genio californiano acabó firmando una de sus innegables obras maestras, llena de momentos que mezclan con envidiable firmeza lo tonal y lo atonal.

Poltergeist es un score sin ninguna fisura. Desde su juguetón Main title hasta la célebre canción infantil de los títulos finales, pasando por temas tan contundentes sinfónicamente hablando como The tree o Rebirth, toda la banda sonora contiene ese estilo inconfundible de Goldsmith que le ha situado en el Olimpo de la historia del cine por su creatividad y, muy especialmente, por su capacidad de adaptación a todo tipo de argumentos.

Orquestador: Arthur Morton.

Día 361: "King Kong" de John Barry (1976)

2010-11-06T00:01:00.002+01:00

Desde Beat girl en 1959 hasta Enigma en 2001, John Barry ha compuesto más de 100 bandas sonoras. Algunas de ellas forman parte de lo mejor de la música de cine, aunque sólo sea por su gran carisma; es el caso de Born free, Out of Africa, Dances with wolves, Robin and Marian, The lion in winter, Chaplin o la mayoría de la serie de James Bond.

Su elegancia y refinamiento dominan su filmografía, y aunque su estilo repetitivo le ha provocado más de una airada crítica, no cabe duda de que todos los aficionados, en mayor o menor medida, nos hemos sentido seducidos por sus melodías satinadas.

En 1976 fue contratado por el singular productor italiano Dino de Laurentiis para componer la partitura del remake de King Kong. Tan arriesgada aventura acabó convirtiéndose en un moderado fracaso comercial, pero, sobre todo, crítico. A pesar de los defectos propios de un filme de estas características, King Kong es una película de género muy loable, en el fondo por su contenido sentido del espectáculo.

El score de Barry se adentra en lo melodramático, pese a sus inevitables incursiones románticas (Maybe my luck has changed), y refuerza el lado más heroico de la historia escrita por Lorenzo Semple Jr. Cortes como Arrival on the island, Full moon domain o Sacrifice muestran la capacidad del artista británico a la hora de describir la tragedia de unos personajes luchando por su supervivencia.

Si las otras dos versiones con música de Max Steiner y James Newton Howard hacían gala de un estilo abiertamente sinfónico, la escrita por Barry se decanta por una visión menos recargada y sí más elegante.

Orquestador: Albert Woodbury (no acreditado).

Día 360: "The pride and the passion" de George Antheil (1957)

2010-11-05T00:20:00.000+01:00

Autor de apenas 30 scores cinematográficos, el músico estadounidense George Antheil es toda una rara avis dentro de la Industria. La mayoría de sus bandas sonoras son muy poco conocidas no sólo entre el gran público sino también entre los propios aficionados, a excepción de Siroco, Not as a stranger y, sobre todo, The pride and the passion (Orgullo y pasión). La arriesgada y espectacular producción de Stanley Kramer, con el que Antheil ya había colaborado en su primera película (la mencionada Not as a stranger) dos años antes, es un interesante fresco histórico ambientado en la España de 1810 en plena Guerra de la Independencia.

La partitura está estructurada en dos partes: por un lado, las melodías de tonalidad española, en la que se percibe la influencia de autores clásicos como Joaquín Turina, Maurice Ravel o Manuel de Falla; y, por otro, los temas centrados en la acción del filme y que respiran el influjo de artistas coetáneos de la talla de Alex North, Dimitri Tiomkin o Miklós Rózsa. Así, The pride and the passion evoca lo mejor de todos ellos, pero con la personalidad y el carácter de un músico de intenso academicismo que vio truncada súbitamente su carrera dos años después del estreno del filme de Kramer.

Orquestador y director: Ernest Gold.

Día 359: "Sommersby" de Danny Elfman (1993)

2010-11-04T00:20:00.004+01:00

Desde Forbidden zone en 1982, Danny Elfman ha forjado una carrera meteórica que se ha visto aún más reforzada por sus internacionalmente conocidas melodías para The Simpsons y Batman (serie animada y película en este último caso). Pero su obra va mucho más allá que una serie de temas; partituras como Darkman, Nightmare before Christmas, Instinct, Sleepy Hollow, Big fish, The corpse bride o Charlie and the Chocolate Factory muestran el talento de un autor cuya mayor virtud es su apasionada vehemencia.

Entre la épica Batman returns y la mítica Nightmare before Christmas, el compositor californiano escribió la música para el remake norteamericano de Le retour de Martin Guerre, Sommersby, un singular score que combina las tonalidades clásicas del western con aquellas deudoras del estilo melancólico de Bernard Herrmann. Pero Elfman imprime a su creación de una personalidad propia, resultando en definitiva una banda sonora profundamente sosegada, sensible, y que conmueve gracias a un moderado sentido de lo contenido.

Orquestadores: Steve Bartek, Philip Giffin & Thomas Pasatieri.

Día 358: "The quiet man" de Victor Young (1952)

2010-11-03T00:13:00.003+01:00

Desde 1932 (The Sign of the Cross) hasta 1957 (Omar Khayyam), Victor Young compuso más de 200 bandas sonoras cinematográficas, recibiendo en su dilatada carrera en Hollywood 21 nominaciones al Oscar y una única estatuilla, concedida a título póstumo en 1957 por Around the world in 80 days. Scores como Scaramouche, Samson and Delilah, For whom the bell tolls, Written on the wind, Johnny Guitar, Yuma o The left hand of God son fiel reflejo de un artista con mayúsculas y modelo a seguir para las generaciones actuales, un tanto perdidas creativamente hablando.

Entre la citada Scaramouche y The story of Will Rogers, el músico nacido en Chicago compuso una de sus obras más representativas: The quiet man (El hombre tranquilo). El filme del gran John Ford, uno de los clásicos imperecederos del séptimo arte, permanece como una obra lúcida y llena de encanto, que con el paso del tiempo parece no querer envejecer. Algo similar sucede con la partitura de Young, cuyo carácter bucólico se ve reforzado por el empleo de melodías tradicionales irlandesas. Pero The quiet man no es una mera adaptación de temas populares, sino más bien un emocionado homenaje a una tierra y a unas gentes cuya placidez y honestidad fortalecen el espíritu de la creación del inolvidable y añorado Victor Young.

Orquestadores: Léo Arnaud, R. Dale Butts, Sidney Cutner, Leo Shuken & Stanley Wilson (no acreditados).

Canciones: I'll take you home Kathleen (Thomas P. Westendorf) & The isle of Innisfree (Richard Farrelly).

Día 357: "Doctor Zhivago" de Maurice Jarre (1965)

2010-11-02T00:33:00.002+01:00

Desde 1957 con Le feu aux poudres hasta el telefilme de 2001 Uprising el compositor lyonés Maurice Jarre escribió más de 160 bandas sonoras, algunas de ellas innegables obras maestras del séptimo arte, como por ejemplo Lawrence of Arabia, Tai-Pan, Moon over Parador, A passage to India o, cómo no, Doctor Zhivago. La espectacular superproducción del cineasta británico David Lean, un magnífico fresco sobre la Revolución rusa, permanece como un clásico imperecedero que se vio en gran medida beneficiado por la música de Jarre.

Todo el score, desde sus dos temas iniciales, Overture y Main title, hasta aquellos que pese a su apariencia de incidentales son, en el fondo, un modelo de eficiencia melódica, tales como Interior student café, Tonya and Yuri arrive at Varykino o Lara reads her poem, resulta una obra de extraordinaria belleza. Además, Doctor Zhivago puede presumir de ser una de las bandas sonoras orquestales más vendidas de todos los tiempos, siendo su célebre Lara's theme (cuya ardua elaboración le supuso a Jarre más de un quebradero de cabeza) todo un referente del melodrama romántico.

Orquestadores: Maurice Jarre & Léo Arnaud (no acreditados).

Balalaika interpretada por Bob Bain.

Día 356: "It's a wonderful life" de Dimitri Tiomkin (1946)

2010-11-01T00:07:00.003+01:00

It's a wonderful life (¡Qué bello es vivir!) es, sin duda alguna, uno de los grandes clásicos de la historia del cine, y un auténtico icono de las fiestas navideñas. La película de Frank Capra resalta lo mejor y lo peor de la sociedad, y lo hace mediante una fábula que bordea en más de un momento lo lacrimógeno y ridículo, pero sorteados con una sutileza que sólo los grandes artistas poseen.

La partitura original de Dimitri Tiomkin sufrió, sin embargo, más de un avatar a la hora del montaje final. Capra, descontento con algunos pasajes de la música, decidió, a espaldas del artista ucraniano, dejar en el tintero parte del score en beneficio de piezas clásicas y populares. Así, la banda sonora que se puede escuchar en el filme resulta un tanto deslavazada y hasta inconexa. Por fortuna, David Newman rescató en 1988 el score de Tiomkin editándolo gracias al sello Telarc.

Interpretada por la Royal Philharmonic Orchestra londinense, la partitura se muestra en todo su esplendor y manifiesta el genio de un artista especialmente dotado en las recreaciones sentimentales. It's a wonderful life hace gala de una sensibilidad inusual, pero ello no evita que en más de un momento Tiomkin imprima a su creación una coloración lóbrega que refuerza el dramatismo de la acción.

Orquestadores: Herschel Burke Gilbert, Paul Marquardt, Nathan Scott & David Tamkin.

Canciones: Buffalo Gals & Twinkle, twinkle, little star (John Hodges).

Día 355: "The black cauldron" de Elmer Bernstein (1985)

2010-10-31T00:01:00.004+02:00

Cerca de 250 títulos, entre 1951 y 2002, conforman la longeva y fructífera carrera cinematográfica de Elmer Bernstein. Discípulo de grandes compositores como Aaron Copland, Jerome Moross o Alex North, el músico neoyorquino siempre dotó a sus creaciones de un agudo academicismo deudor a su vez de la tradición jazzística norteamericana. Su afirmación en Hollywood le llegó en 1956 con la epopeya de Cecil B. de Mille The Ten Commandments, a la que seguirían otras bandas sonoras que hoy en día se han convertido en auténticos clásicos de los 50 y 60, tales como Anna Lucasta, The buccaneer, To kill a mockingbird, The magnificent seven o Hawaii.

En las siguientes décadas Bernstein se reafirmó como autor de enorme carisma cuyo eclecticismo le hizo ser considerado como uno de los grandes de todos los tiempos. En 1985 fue contratado para escribir el score de la producción animada Disney The black cauldron (Taron y el caldero mágico). La película de Ted Berman y Richard Rich fue en su momento un injusto fracaso comercial y crítico, quizás por situarse a contracorriente dentro del género familiar al contar una historia que no evitaba lo sombrío del cine fantástico. La partitura mezclaba las tonalidades amables típicas de la factoría Disney (reflejadas en la obra mediante las retóricas ondas martenot) con aquellas que reforzaban el componente lúgubre, dando como resultado una banda sonora valiente y decidida, y, en el fondo, de un clasicismo reconfortante.

Orquestador: Peter Bernstein.

Ondas martenot: Cynthia Millar.

Día 354: "The prince of Egypt" de Hans Zimmer, Klaus Badelt, Harry Gregson-Williams, Rupert Gregson-Williams & Stephen Schwartz (1998)

2010-10-30T00:01:00.007+02:00

Más de 100 títulos en tan sólo 26 años de carrera profesional muestran con claridad la singular capacidad creativa del compositor germano Hans Zimmer. Pionero, en cierta manera, en la combinación de música electrónica y orquestal, sus scores figuran no sólo entre los más reputados sino también entre los más vendidos. Paper house, Rain man, Black rain, Driving Miss Daisy, Pacific Heights, Backdraft, The lion king, Crimson tide, Muppet Treasure Island o Nine months confirman que durante sus primeros diez años compuso posiblemente sus mejores creaciones, aunque con posteriodad, pese algún que otro altibajo más o menos inevitable en un autor de su fertilidad, también firmó partituras notables como Gladiator, Pearl Harbor, Spirit, Spanglish, Tears of the sun o The prince of Egypt (El príncipe de Egipto). Esta última es una banda sonora que se apoya en la fastuosidad del mundo faraónico en oportuna combinación con el bíblico. Dicha simbiosis melódica convierte a The prince of Egypt en una obra francamente seductora y majestuosa, en especial en los vistosos momentos de la acción centrados en la descripción de situaciones llamativas y recargadamente dramáticas.

Pero Zimmer, como ha sido casi siempre característico en su filmografía, se ve acompañado en su aventura musical de otros compositores, en concreto Klaus Badelt, Harry Gregson-Williams y Rupert Gregson-Williams, quienes aportan su eficiente grano de arena artístico en las escenas secundarias, al mismo tiempo que Stephen Schwartz con sus pegadizas canciones.

Orquestadores: Bruce Fowler, Erik Lundborg, Ladd McIntosh, Yvonne S. Moriarty & Bill Conn.

Día 353: "The Passion of the Christ" de John Debney (2004)

2010-10-29T00:33:00.004+02:00

Si algo caracteriza a John Debney es su capacidad de adaptación a todo tipo de géneros. Terror (I know what you did last summer, The relic), ciencia-ficción (Star Trek: The next generation, Predators, Zathura), aventuras (The Cutthroat Island), familiar (Inspector Gadget), melodrama romántico (Valentine's day), comedia (Old dogs, Elf) o fantástico (Spy kids) demuestran su conciliación de estilos e historias de muy diversa procedencia, en un alarde creativo poco común.

Su banda sonora de mayor repercusión es The Passion of the Christ (La Pasión de Cristo). La película de Mel Gibson es un emotivo y elegíaco relato cinematográfico de los últimos días en la vida de Jesús, narrados desde una pasión ciertamente conmovedora. Debney, consciente de que se encontraba ante un material que le brindaba múltiples posibilidades, se decantó por una partitura arriesgada y sólo en determinadas ocasiones predecible en lo melódico.

The Passion of the Christ es una obra además en la que sobresale una percusión que enfatiza el componente tradicional y localista, pero sin resultar opresiva. Sin embargo, el músico californiano no olvida que la historia es, en realidad, un canto a la libertad y al amor, reflejado con singular belleza en el sensible tema Mary goes to Jesus.

Orquestadores: Jeff Atmajian, Frank Bennett, Lesli Carroll, Brad Dechter, Benjamin Beladi & Mike Watts.

Música adicional: Jack Lenz.

Día 352: "City of Ember" de Andrew Lockington (2009)

2010-10-28T00:33:00.005+02:00

Desde 1998 con el telefilme At the end of the day hasta la serie Sanctuary, el músico canadiense Andrew Lockington se ha abierto paso con firmeza entre los innumerables e incipientes compositores cinematográficos y televisivos que invaden salas y hogares de medio mundo. Scores como Journey to the Center of the Earth o Skinwalkers nos muestran a un joven autor (36 años) de sólida formación que hace gala de un estilo abiertamente sinfónico que, pese a su carencia de innovación, se merece todos los aplausos por su ímpetu clásico.

Su banda sonora más importante hasta la fecha es City of Ember (City of Ember: En busca de la luz), ambicioso proyecto producido por Tom Hanks y basado en la primera novela de la tetralogía escrita por Jeanne Duprau, y que hace dos años constituyó un sonoro, y en cierto modo injusto, fracaso comercial. La partitura de Lockington, muy eficiente y de refrescante espectacularidad, se abre con un Main title (archivo de audio) que sirve de motivo central y que describe, con atinado sentido de lo enfático, una aventura que mezcla hábilmente lo fantástico y lo realista. Dicho letimotiv abre paso a una sucesión temática que refuerza el tono épico del conjunto y que no esconde su gratificante vehemencia.

Orquestador: Nicholas Dodd.

Música adicional: Douglas Pipes.

Día 351: "Hook" de John Williams (1991)

2010-10-27T00:07:00.005+02:00

Compuesta entre la navideña Home alone y la comprometida musical y políticamente JFK, Hook (Hook: El capitán Garfio) puede ser considerada como la obra definitiva de John Williams. La aventura personal (que a punto estuvo de convertirse en desventura) del cineasta Steven Spielberg resulta una película amable y simpática, pero excesiva en su casi descarada retórica, ya que su deseo de conmover 'a toda costa' acaba lastrando una cinta que debería haber sido mucho más moderada.

Williams, por su parte, se adentró en el universo mágico de J. M. Barrie a través de una composición que resalta tanto lo ilusorio como lo lúdico, pero sin dejar de lado una realidad que sirve de componente alejado de lo fantástico. Así, Hook hace gala de un vigor melódico pocas veces alcanzado en la música cinematográfica, y que demuestra que el maestro neoyorquino ha sido y sigue siendo el compositor más dotado en cuanto a la creatividad se refiere.

La banda sonora es un auténtico festival de luces y colores tonales, dando fe de este esplendor temas como Prologue, The flight to Neverland, The banket, The ultimate war o The never feast. Pero de entre todos los que conforman el score hay uno que, por su increíble belleza, preside este espectáculo cromático: You are the Pan, el más emotivo e inspirado de toda la filmografía de John Williams, pese a su semejanza con True confessions de Georges Delerue.

Nota: gracias a Jota por la aclaración.

Orquestadores: Angela Morley (no acreditada), Alexander Courage & John Neufeld.

Texto de las canciones: Leslie Bricusse.

Día 350: "Predator" & "Predator 2" de Alan Silvestri (1987-90)

2010-10-26T11:57:00.007+02:00

Desde The doberman gang en 1972 hasta la reciente The A-Team, Alan Silvestri ha compuesto más de 100 bandas sonoras para el cine y la televisión, en las que, a través de un estilo enérgico y pegadizo, ha demostrado ser uno de los autores más carismáticos de los últimos 30 años.

Entre las comedias Outrageous fortune y Overboard, Silvestri compuso la partitura del filme de acción de John McTiernan Predator (Depredador), del que también escribiría su prescindible secuela tres años después, Predator 2. Partiendo de un Main title que es ya, hoy en día, todo un referente de su carrera, el músico neoyorquino elaboró una creación cuya intensidad y dramatismo han marcado, en cierta manera, los cánones del género. Es una melodía apoyada en una poderosa instrumentación, de la que sobresale la percusión, elemento primordial de toda la banda sonora y que refuerza el carácter selvático de la trama.

Para su mencionada continuación, Predator 2 (Depredador 2), Alan Silvestri retomó la práctica totalidad de los temas de la película original, pero dotándolos en esta ocasión de más brillo y solidez orquestal. Es una banda sonora de producción más cuidada en la que, pese a las importantes carencias del filme, el score parece querer relucir un producto alejado de toda originalidad.

Orquestador: James B. Campbell.

soundtrackcollector.com
imdb.com
alan-silvestri.com
soundtrackcollector.com - Predator 2

Día 349: "The 3 worlds of Gulliver" de Bernard Herrmann (1960)

2010-10-25T00:33:00.011+02:00

Journey to the center of the Earth, The 7th voyage of Sinbad, The 3 worlds of Gulliver, Mysterious island y Jason and the argonauts forman cinco filmes cuyo nexo de unión es la música de Bernard Herrmann. Los cuatro últimos, además, se relacionan entre sí por haber sido producidos por Charles H. Schneer, quien tiene en su haber otras películas del género fantástico como It came from beneath the sea, The valley of Gwangi, The golden voyage of Sinbad o Class of the titans.

En 1960 Herrmann compuso la partitura para The 3 worlds of Gulliver (Los viajes de Gulliver), y en ella el maestro neoyorquino dio rienda suelta a su pasión por lo clásico, dotando al filme de Jack Sher de una vitalidad y lucidez que lo acaban convirtiendo en un producto que rinde sincero homenaje a la novela de Jonathan Swift. Temas como Minuetto, The lovers, Trio refrain, Duo, Happiness o el inmortal Overture hacen gala de una delicadeza y sensibilidad realmente conmovedoras. Herrmann siempre mostró durante su carrera una especial predilección por las tonalidades apasionadas cuyo romanticismo evocaba una personalidad llena de luminosidad.

Con The 3 worlds of Gulliver el aficionado asiste a un espectáculo musical muy pocas veces sentido en la historia del cine. Es una pieza cuya sobriedad no elude lo colorista y fastuoso, formando un conjunto de envidiable belleza.

Orquestador: Bernard Herrmann.

Canciones: Gentle love & What a wonderful, wonderful, wonderful fellow is Gulliver, de George Duning (música) y Ned Washington (texto).

Día 348: "Harry Potter and the Order of the Phoenix (VG)" de James Hannnigan (2007)

2010-10-24T00:01:00.006+02:00

Especialista en componer la música para videojuegos (Lord of the Rings:Aragorn's quest, Brute force, FIFA Soccer manager, Harry Potter and the Half-Blood Prince, Reign of fire,...), James Hannigan es posiblemente el más destacado autor del género, debido a un estilo que mezcla con gran pericia lo majestuoso y lo ambiental. Esta simbiosis entre épica e incidentalidad hace que sus partituras multimedia huyan de lo más previsible, es decir, de tonos electrónicos que encorseten el producto final.

Si en Harry Potter and the Half-Blood Prince, su obra maestra hasta el momento, ya daba muestras de su talento en las composiciones de gran ambición orquestal, con Harry Potter and the Order of the Phoenix (Harry Potter y la Orden del Fénix) el joven músico británico deja de nuevo en evidencia al score cinematográfico de Nicholas Hooper, mucho más conservador desde el punto de vista melódico. Hannigan sorprende en cada uno de los 28 temas que conforman la banda sonora, pues no se deja seducir por la tradición actual de escribir música en forma de variaciones constantes a partir de un tema principal; más bien todo lo contrario. En Harry Potter and the Order of the Phoenix concede a cada uno de los cortes una personalidad propia, muy del estilo de John Williams (no en vano es su máximo referente), dotando en definitiva a la obra de un carácter y carisma muy poco comunes en el mundo de los videojuegos.

Música adicional: Evan Jolly & Jeremy Soule.

Día 347: "Anne of the thousand days" de Georges Delerue (1969)

2010-10-23T00:34:00.000+02:00

Desde 1950 con Le mystère du quai de Conti hasta 1992 con Rich in love, el músico y genio de la melodía sensitiva Georges Delerue compuso más de 300 bandas sonoras para el cine y la televisión. Sus obras, ejemplo casi perfecto de sencillez y lirismo, han traspasado todas las fronteras, siendo considerado, en su momento y hoy en día, como uno de los compositores más importantes de la historia de la música de cine.

En la década de los 60 empezó su particular relación amorosa con el cine británico y norteamericano, en oportuna y nunca abandonada conjunción con la cinematografía de su país natal, Francia. Scores como La peau douce o Le mépris, así como A man for all seasons o Our mother's house, son fiel reflejo del estilo academicista y notablemente clásico de Delerue, un auténtico devoto del Barroco.

En 1969 escribió la partitura para la superproducción histórica Anne of the thousand days (Ana de los mil días), biopic más o menos realista de la lujuriosa y violenta relación entre Enrique VIII y Ana Bolena. Para ambientar musicalmente la película de Charles Jarrott, Delerue se decantó por un score de innegables influencias renacentistas y barrocas, pero sin alejarse demasiado del componente incidental propio del género.

Además, en la edición discográfica (sólo publicada hasta la fecha en vinilo) se incluyen temas de autores como Thomas Tallis o William Byrd, que refuerzan el componente objetivo de la película, en una combinación que no desentona y que reafirma la solidez de una obra profundamente contenida.

Día 346: "Snow falling in cedars" de James Newton Howard (1999)

2010-10-22T00:07:00.011+02:00

Autor de más de 100 bandas sonoras desde 1985, James Newton Howard ha escrito algunas de los scores más notables de la historia del cine, destacando, entre otros, The postman, Dinosaur, Alive!, Peter Pan, Signs, The Water Horse o Wyatt Earp. En 1999 compuso la partitura del melodrama judicial del realizador ugandés Scott Hicks (Shine) Snow falling in cedars (Mientras nieva sobre los cedros), una película que revive, bajo la ambientación de un pueblo norteamericano en la década de los 50, la peculiar obsesión por todo lo relativo con lo japonés.

Aunque la historia se decanta más por lo romántico que por los claroscuros propios del thriller, Snow falling in cedars es una partitura que muestra el talento de Newton Howard en la descripción de atmósferas opresivas (cuya atonalidad resulta a todas luces inquietante) pero a la vez sensibles. Especialmente destacable es el tema final de la película en el que se muestra el emotivo desenlace, uno de los más bellos en toda la filmografía del autor californiano.

Orquestadores: Brad Dechter, Jeff Atmajian & James N. Howard.

Día 345: "Notorious" de Roy Webb (1946)

2010-10-21T00:33:00.006+02:00

Compositores del Hollywood dorado como Daniele Amfitheatrof, Herbert Stothart, Leigh Harline, Paul J. Smith, Louis Silvers, Hugo Friedhofer, Adolph Deutsch o Roy Webb quizás no estén a la altura de maestros como Bernard Herrmann, Max Steiner, Alex North, Alfred Newman, Miklós Rózsa o Franz Waxman; pero lo que sí es cierto es que su aportación a la música cinematográfica ha sido y sigue siendo hoy en día esencial debido a su compromiso artístico y, en especial, a su apasionada profesionalidad.

En el caso de Roy Webb, el músico neoyorquino fue al autor de más de 250 bandas sonoras, desde 1929 hasta 1958, cuando con 70 años decidió abandonar la carrera de compositor para la gran pantalla con el score de Teacher's pet, la comedia protagonizada por Clarke Gable y Doris Day. Su filmografía siempre estuvo marcada por su solidez y solvencia, aunque la mayoría de sus creaciones (muchas de ellas compuestas para los trailers de las décadas de los 30 y 40) no tuviera una repercusión especialmente significativa. De hecho, como en el caso de los autores mencionados en primer lugar con anterioridad, sus bandas sonoras solían centrarse en producciones de serie B más o menos interesantes. Sus escasas participaciones en películas de renombre (al menos en la actualidad), como I married a witch, The body snatcher, Flying leathernecks, Marty o, sobre todo, el filme de Alfred Hitchcock Notorious (Encadenados), le permitieron lucir sus galas de músico especialmente dotado en el subrayado incidental.

Para Notorious Webb compuso un tema central elegante y muy intimista, que introducía un score centrado en la descripción de una trama cuya intensidad se vio reforzada por una partitura perfectamente sincronizada. Por desgracia aún no existe edición oficial de la música; tan sólo alguna suite en ediciones recopilatorias, como la publicada por el sello Cloude Nine (imagen) en 1995.

Orquestador: Gil Grau.

Día 344: "Camelot" de Frederick Loewe, Alan Jay Lerner & Alfred Newman (1967)

2010-10-20T00:07:00.005+02:00

Camelot, estrenada originalmente en Broadway en 1960 y protagonizada por Richard Burton y Julie Andrews, tuvo en un primer momento una acogida más bien tibia, para pasar a recibir con posterioridad (y debido a una intervención de gran éxito en el show televisivo de Ed Sullivan) el unánime apoyo de crítica y público. En 1966 el productor de la Warner Bros. Jack L. Warner decidió que era el momento de trasladar a la gran pantalla el musical de Frederick Loewe (partitura) y Alan Jay Lerner (texto), cuyo estreno se produciría el 25 de octubre de 1967. Bajo la dirección de Joshua Logan y con un reparto al menos carismático (Richard Harris, Vanessa Redgrave y Franco Nero en los papeles principales), la película fue un relativo éxito en su momento, aunque hoy en día ha pasado a ser considerada como un clásico del género.
Camelot es la demostración definitiva del inagotable talento melódico del músico berlinés Frederick Loewe. Canciones memorables como C'est moi, Camelot, How to handle a woman? o I loved you once in silence forman parte de lo mejor del musical, y evocan con sutil sentido de lo delicado un mundo medieval en el que se funden con sugerente lirismo lo fantástico y lo realista.
Mención especial merece la adaptación del gran Alfred Newman, auténtico especialista de los arreglos de comedias musicales, quien para Camelot realizó una composición que va mucho más allá de la mera adaptación (segundo archivo de audio), demostrando que lo incidental, en ocasiones, puede superar al original.

Orquestadores: Jack Hayes, Leo Shuken, Peter King & Gus Levene.

Día 343: "The talented Mr. Ripley" de Gabriel Yared (1999)

2010-10-19T00:33:00.006+02:00

Cerca de cien bandas sonoras conforman la filmografía del músico libanés Gabriel Yared, la mayoría a medio camino entre Estados Unidos (Cold Mountain, Amelia) y Francia (Camille Claudel, Betty Blue). Su carácter ecléctico y alejado de convencionalismos le ha situado en un lugar preferente dentro de la Industria. Un ejemplo de esta personalidad armónica y variopinta es su partitura para la película de Anthony Minghella The talented Mr. Ripley (El talento de Mr. Ripley), basada en una novela de Patricia Highsmith.

Yared desarrolla una música que mezcla las sonoridades apacibles y serenas (centradas principalmente en los momentos previos al drama) con aquellas mucho más agobiantes y apesadumbradas (aplicadas en las partes que refuerzan la ambientación de thriller). Pero el artista nacido en Beirut también concede un especial protagonismo al jazz, elemento sino crucial sí muy significativo en el retrato del personaje central de la historia. De esta forma, The talented Mr. Ripley acaba convirtiéndose en una banda sonora cuya solidez y eficiencia la sitúan entre lo más notable de la década de los 90.

Orquestadores: John Bell y Gabriel Yared.

Día 342: "The natural" de Randy Newman (1984)

2010-10-18T00:33:00.004+02:00

Randy Newman es uno de los compositores más singulares del séptimo arte, aunque, en realidad, sólo ha escrito 30 bandas sonoras. La saga Toy story, Awakenings, Ragtime, Avalon, Pleasantville o Maverick muestran su talento a la hora de reforzar el poder de las imágenes, que adquieren con su música una intensidad aún más notoria.
Su cuarto score, The natural (El mejor), fue compuesto en 1984 y puede definirse como uno de los mejores de la historia del cine.
La película de Barry Levinson es un acertado y emotivo melodrama deportivo que cuenta con un reparto de auténticas campanillas encabezado por Robert Redford y secundado por Kim Basinger, Glenn Close, Wilford Brimley, Richard Farnsworth, Joe Don Baker y Michael Madsen.
Newman plasma con su partitura un mundo de ambiciones y frustraciones, pero no desde lo trágico sino desde lo lúcido, gracias a una serie de melodías que subrayan la acción de manera ejemplar, en especial en aquellos momentos cercanos a la épica tan típica del deporte (acentuados por la majestuosidad de los instrumentos de viento, trompas en particular).

Orquestador: Jack Hayes.

Día 341: "The dissapearance of García Lorca" de Mark McKenzie (1996)

2010-10-17T00:02:00.000+02:00

Magnífico orquestador (Dances with wolves, Alive!, The patriot, Hulk) y mejor compositor (My family, Blizzard, Durango), Mark McKenzie puede presumir de una filmografía carismática, aunque en el fondo no haya tenido la suerte de ser recompensada con películas de repercusión internacional.

En 1996 escribió el score de la película de Marcos Zurinaga The dissapearance of García Lorca (Muerte en Granada), en la que se relata la investigación de un periodista tras la muerte del poeta español. McKenzie, como es natural, se dejó seducir por la magia de la música tradicional andaluza, que aparece como recurso descriptivo y costumbrista. Sin embargo, la partitura se decanta más bien por las melodías de marcado tono elegiaco (el tema central resulta a todas luces inspirador), resultando una obra de serena belleza en la que McKenzie plasma con refinamiento toda la pasión y entusiasmo de un poeta y dramaturgo inmortal.

Orquestadores: Patrick Russ & Mark McKenzie.

Música adicional (flamenco): Ángel Peña.

Día 340: "Major Barbara" de William Walton (1941)

2010-10-16T00:20:00.000+02:00

Aunque William Walton sólo ha escrito catorce bandas sonoras para el cine, puede y debe ser considerado como uno de los grandes compositores del séptimo arte. Partituras de la talla de Hamlet, Henry V o Escape me never son creaciones que seducen gracias a su apasionado academicismo; en ellas (y, por extensión, en toda su filmografía) el artista británico hace gala de un estilo que recoge lo más emblemático de la música europea, en especial de autores como Igor Stravinsky, Claude Debussy, Maurice Ravel o Jean Sibelius. Pero su originalidad radica en su muy personal y sugerente adaptación al celuloide, consiguiendo alejar de la pantalla la inevitable frialdad de las composiciones llamadas tradicionalmente 'clásicas'.

Uno de sus scores menos conocidos es Major Barbara (Mayor Barbara), perteneciente a la película dirigida entre 1940 y 1941 por Gabriel Pascal y basada en una pieza teatral de George Bernard Shaw. Por desgracia, la partitura completa aún permanece sin editar; tan sólo existe un arreglo de diez minutos realizado por Christopher Palmer y dos temas incluidos en la serie de cuatro CD sobre Walton publicada por el sello Chandos, con la dirección de Neville Marriner al frente de la magnífica Academy of St. Martin in the Fields.

Major Barbara es una pieza de singular belleza cuyo principal atractivo reside en su tema de amor, uno de los más radiantes de la historia del cine, y que define a la perfección el carisma de un autor de enorme solidez y profesionalidad.

Orquestador: Roy Douglas.

Arreglos para los títulos en la versión americana: Miklós Rózsa.

Día 339: "The time machine" de Klaus Badelt (2002)

2010-10-15T00:33:00.006+02:00

El músico germano Klaus Badelt es uno de los compositores cinematográficos más activos (y solicitados) en la actualidad. El principal motivo radica en su sorprendente capacidad de adaptación a todo tipo de producciones, tanto en Estados Unidos, por lo general con un marcado componente comercial, como en Europa, donde sus creaciones se inclinan por una temática más sobria.

Escribió su primer score para la gran pantalla en 1998, a la edad de 31 años, y en concreto para el filme alemán Der eisbär. Su siguiente proyecto, The pledge, le abrió de par en par las puertas de Hollywood, pero no sería hasta 2002 que la Industria le ofreciera su oportunidad con la ambiciosa producción The time machine (La máquina del tiempo), una irregular adaptación del clásico de H. G. Wells, dirigida curiosamente por uno de los descendientes del escritor, Simon Wells. Badelt, consciente de que ocasiones así no deben desperdiciarse, desarrolló un score apoyado en un magnífico tema central. Es una melodía de generosos aires clásicos que describe a la perfección el tono aventurero de la película, y que protagoniza la primera parte de la misma en casi todos los momentos en los que Badelt subraya la acción. No obstante, cuando ésta se sitúa en el futuro la banda sonora decae, sino con estrépito sí de manera poco sutil, quizás porque es en ese momento cuando el compositor alemán ve que su creación acaba en la manos de otros autores (Geoff Zanelli, James Dooley, Ramin Djawadi y Tim Jones), haciendo que al final The time machine sea una obra de comienzo esplendoroso y epílogo un tanto apagado debido a su impersonalidad.

Orquestadores: Bruce Fowler & Ladd McIntosh.

Música adicional: Geoff Zanelli, James Dooley, Ramin Djawadi & Tim Jones.

Día 338: "Only you" de Rachel Portman (1994)

2010-10-14T00:33:00.004+02:00

A pesar de sus 49 años, la compositora inglesa Rachel Portman ya ha escrito cerca de 80 scores entre cine y televisión. Desde Privileged en 1982, con un jovencísimo, como ella, Hugh Grant, hasta la actual Never let me go, su filmografía viene marcada por un intenso y reconfortante refinamiento estilístico. Casi todas sus bandas sonoras siguen esta línea de elegancia y delicadeza, en especial en títulos tan significativos como Chocolat, The adventures of Pinocchio, The cider house rules, Oliver Twist o Grey Gardens.

En 1993 escribió la partitura para la comedia romántica de Norman Jewison (Jesus Christ Superstar) Only you (Sólo tú), protagonizada por unos entregados, y algo sobreactuados, Robert Downey Jr. y Marisa Tomei. Sin embargo, Portman deja de lado lo pueril de la propuesta, pese a sus aislados momentos destacables, y se entrega a la escritura de una partitura abiertamente poética que no siente rubor ante lo recargadamente académico de la propuesta. Y es en ese tono retórico en el que, de una forma paradójica, acaba saliendo airosa la compositora británica, pues firma un score de gran serenidad y belleza, cuyo bucólico tema principal resulta realmente conmovedor.

Día 337: "Superman returns" de John Ottman & John Williams (2006)

2010-10-13T00:33:00.005+02:00

Montador de películas como Usual suspects, X-Men 2 o Valkiria, todas ellas realizadas por Bryan Singer, John Ottman es, sin embargo, mucho más conocido como compositor de las mismas, aparte de otras de la repercusión de Gothika, Astro Boy o Fantastic Four.

Su relación personal y artística con Singer comenzó en 1993 con Public access; desde entonces han colaborado en todos los filmes salvo en la primera parte de X-Men, obra de Michael Kamen.

Ottman es un autor que ha sido criticado, con mayor o menor justicia, por ser considerado un músico que carece de estilo propio. Esta afirmación, por lo menos discutible, debería en su caso hacerse extensible a la mayoría de jóvenes compositores cinematográficos actuales. Lo que hace diferente a Ottman es su acercamiento sin prejuicios a los postulados más tradicionales, situándose así en un punto intermedio entre los grandes clásicos y los músicos más previsibles.

En 2006 firmó la que es, posiblemente, su banda sonora más destacable hasta el momento: Superman returns. Tomando como evidente referencia el score de John Williams (de hecho el tema central es exactamente el mismo que el del filme de Richard Donner), John Ottman realiza una plausible adaptación de las melodías principales del maestro neoyorquino, que adquieren aún mayor consistencia y brío. Además, Superman returns, apoyándose en la labor de sus 8 orquestadores, hace gala de un virtuosismo sinfónico que realza las imágenes de la enérgica y entretenida película de Singer. Pero no deberíamos negar la originalidad creativa de Ottman, ya que con su peculiar sentido de lo espectacular nos brinda una partitura pletórica y de inapelable belleza.

Orquestadores: Rick Giovinazzo, Damon Intrabartolo, Kevin Kliesch, Frank Macchia, John Ottman, Lior Rosner, Jeffrey Schindler & John Ashton Thomas.

Día 336: "Superman" de John Williams (1978)

2010-10-12T00:33:00.003+02:00

Situado entre dos obras maestras como Jaws 2 y Dracula, Superman es, junto con Star wars, el score más emblemático de John Williams. La película dirigida por Richard Donner permanece como una de las adaptaciones de superhéroes más respetuosas tanto con el original como con el público. En su momento su éxito fue enorme, lo cual invitó no sólo a una continuación, de hecho en parte rodada por el propio Donner, sino a dos secuelas más, ambas muy inferiores al filme inicial.

Tras el impacto mediático que supuso Star wars, y su merecido Oscar recibido en 1978, John Williams se posicionó dentro de la Industria como el principal compositor para las grandes producciones. Su dominio de la melodía, y en especial de los temas con carisma, ha hecho de él el autor más notable del mundo de la música de cine. Si para el épico filme de George Lucas creó el inmortal Main title que todos conocemos, homenaje al clasicismo de Richard Strauss y Erich W. Korngold, para su nueva aventura de ciencia-ficción era inevitable componer un leitmotiv acorde con los cánones del género, que casi siempre se han decantado por las fanfarrias esplendorosas. Así, el tema central de Superman es fiel reflejo de ese estilo epopéyico en el que impera una orquestación ambiciosa y alejada de tonos simples. Pero Williams, como autor obsesionado por la estructura temática creativa, no se conformó con una mera sucesión de variaciones; más bien todo lo contrario. Dejó que los personajes tuvieran su propia melodía, enriqueciendo además al argumento con toda una serie de cortes que recorren, con brillantez y delicadeza, todo el espectro musical de su inconfundible estilo academicista.

Orquestadores: Angela Morley (no acreditada), Arthur Morton y Herbert W. Spencer.

Día 335: "The Shawshank Redemption" de Thomas Newman (1994)

2010-10-11T00:33:00.006+02:00

Compuesta entre la desconocida The favor y la melancólica The war, The Shawshank Redemption (Cadena perpetua) es una banda sonora que define la personalidad de un compositor de primer orden: Thomas Newman. El filme de Frank Darabont es uno de los mejor valorados en la prestigiosa web imdb.com (9,2 puntos de entre más de medio millón de votos); pero no es tan sólo un reconocimiento popular pues entre los críticos también figura como una de las películas más importantes de los 90.

El score de Thomas Newman sigue la línea de sus obras más orquestales, en las que los instrumentos de cuerda dominan el conjunto melódico, pero sin dejar de lado su peculiar afán por diseñarlo en perfecta combinación con lo electrónico. Sin embargo, The Shawshank redemption se decanta más por el componente sinfónico, y en especial por aquel que evoca lo melodramático de unos personajes perdidos en un mundo de opresión e injusticia. Así, Newman compone una partitura que va desde las tonalidades sombrías y relativamente frías hasta una culminación épica resaltada con una lucidez de marcados matices líricos.

Orquestador: Thomas Pasatieri.

Día 334: "The wolves of Willoughby Chase" de Colin Towns (1989)

2010-10-10T00:33:00.004+02:00

The wolves of Willoughby Chase (Tierra de lobos), irregular película dirigida por Stuart Orme protagonizada por Stephanie Beacham, es una especie de cuento infantil con madrastra (tía en este caso) de "difícil carácter" que debe cuidar a dos niñas en un palacio de la campiña inglesa, Willoughby Chase, situado en una zona repleta de lobos; pero la ferocidad en este caso es más humana que animal. La premisa quizás no sea demasiado original, pero lo triste es que la torpe y televisiva realización acaba convirtiendo al filme en un producto de serie B en el que sólo sobresale la extraordinaria partitura del músico londinense Colin Towns.

Especializado en obras para la pequeña pantalla, Towns creó un score cuyo tema central puede ser considerado como uno de los más memorables de la década de los 80. A partir de este excepcional y muy emotivo prólogo, desarrolla en The wolves of Willoughby Chase toda una serie de melodías que huyen de lo ligero, imprimiendo a la partitura una energía y eficiencia que es fiel reflejo de un autor cuyo academicismo seduce gracias a un refinamiento puramente británico, resaltado en este caso por la contundente interpretación de The Symphonie Orchestra Graunke of Munich.

Día 333: "The formula" de Bill Conti (1980)

2010-10-09T00:33:00.005+02:00

Compuesta entre Private Benjamin y el episodio piloto de Dinasty, The formula (La fórmula) puede ser considerada como una de las bandas sonoras más destacables en la extensa carrera de Bill Conti. La película de su buen amigo John G. Avildsen (Rocky) quizás no haya pasado a la historia del cine por sus valores artísticos, pese a su impactante pareja protagonista, Marlon Brando y George C. Scott, pero lo que sí resulta innegable es la contundencia y la solvencia de una partitura que sabe como pocas plasmar el mundo del espionaje. Conti lo describe mediante una música incidental que aporta intensidad a la trama, pero, sobre todo, poder de convicción gracias a sus dos temas centrales (archivos de Goear), posiblemente los más memorables de su filmografía. Ambos reflejan con singular espectacularidad y emoción el carácter de un autor más preocupado por resultar sobrio que no recargado.

Como curiosidad señalar que el sello Varèse Sarabande acaba de publicar por primera vez en CD el score, 30 años después de su edición en vinilo.

Día 332: "Love is a many-splendored thing" de Alfred Newman, Leigh Harline, Hugo Friedhofer & Sammy Fain (1955)

2010-10-08T00:33:00.004+02:00

Love is a many-splendored thing (La colina del adiós) es un caso muy particular en la historia de la música de cine, pues, aunque en principio la partitura viene firmada por Alfred Newman (quien curiosamente ganó un Oscar por la misma), en realidad se trata de una banda sonora cuya autoría corresponde a cuatro compositores: el mencionado Newman, Leigh Harline, Hugo Friedhofer (ambos sin acreditar) y Sammy Fain (ganador de otro Oscar junto al letrista Paul Francis Webster por la célebre canción que da título al filme).

Love is a many-splendored thing es un apasionado melodrama romántico dirigido por Henry King (The bravados) y ambientado en plena emergencia de la revolución comunista china. Para evocar dicha trama Alfred Newman desarrolló una muy sutil adaptación del tema de Fain y Webster al que engalanó con múltiples variaciones melódicas, oportunamente perfeccionadas en las partes más incidentales por Leigh Harline y Hugo Friedhofer. Pero este cóctel musical, lejos de resultar impersonal o incoherente, acaba convirtiéndose en un bellísimo score pleno de armonía que es un perfecto exponente del cine clásico de los años 50.

Orquestador: Edward B. Powell.

Día 331: "On dangerous ground" de Bernard Herrmann (1952)

2010-10-07T00:33:00.005+02:00

Compuesta entre The day the Earth stood still y 5 fingers, On dangerous ground (La casa en la sombra) es una de las partituras cinematográficas más representativas del maestro Bernard Herrmann. La oscura película de Nicholas Ray protagonizada por Ida Lupino y Robert Ryan es un angustioso thriller que se situó muy a contracorriente del cine de su tiempo, más centrado en las tramas poco arriesgadas. Y qué mejor compositor para describir la historia de un detective que va a investigar un asesinato en un pequeño pueblo aislado por la nieve, que Herrmann, auténtico especialista a la hora de subrayar los argumentos que mezclan romance y suspense.

Para el músico neoyorquino On dangerous ground era su score favorito, y no es de extrañar pues en él aparecen, con singular vehemencia, casi todas las tonalidades de su obra cinematográfica, en especial aquellas que resaltan lo dramático (Violence, The death hunt, Fright), aunque sin dejar de lado el componente romántico inherente a toda producción clásica de Hollywood que se precie (Nocturne, Pastorale, Blindness).

Orquestador: Bernard Herrmann.

Día 330: "Der Rosenkavalier" de Richard Strauss (1925)

2010-10-06T00:02:00.003+02:00

En 1925 el realizador Robert Wiene adaptó a la gran pantalla la ópera cómica de Richard Strauss Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa), escrita originalmente en 1911. Muy poco conocida entre los aficionados, la partitura del músico alemán puede ser considerada como una de las obras maestras indiscutibles del séptimo arte. Aunque su origen no sea cinematográfico, la partitura de Strauss luce aún más en su conversión al celuloide, y pese a las peculiaridades del cine de la época, resulta una creación de tal lucidez que es imposible no caer ante sus encantos.

Son cerca de dos horas de composición al más puro estilo decimonónico, en el que imperaban las tonalidades más tradicionales, y su estructura se basa en los diferentes momentos incidentales de la pieza coral original, a la que Strauss aporta su radiante sinfonismo a prueba de simplezas. Además, al disfrutar Der Rosenkavalier es inevitable escuchar por todos sus rincones los aires de Erich Wolfgang Korngold, en una curiosa demostración de que el compositor checo le debía gran parte de su talento al alemán.

Si como amante de la música de cine aún no se ha llegado a disfrutar de esta pieza inmortal, nunca es tarde si el placer es eterno. Y es que en el género hay correctos, buenos y grandes compositores, además de genios como Richard Strauss.

Orquestador: Richard Strauss.

Día 329: "Australia" de David Hirschfelder (2008)

2010-10-05T00:22:00.006+02:00

Desde 1990 el compositor australiano David Hirschfelder ha desarrollado una carrera dentro del cine y la televisión que, aunque no sea considerada como una de las más reconocidas entre el gran público, sí resulta como poco ecléctica y alejada de lo superficial.

Scores como Shine (su bautizo internacional), Elizabeth, Aquamarine o The children of Huang Shi son obras de indudable belleza y, a la vez, con un notable compromiso estilístico. De hecho, Hirschfelder es un autor poco común y, hasta cierto punto, inclasificable ya que sus creaciones se alejan de lo obvio y buscan la originalidad (algo poco común en el mundo de la música de cine).

Sin embargo, en 2008 firmó la que puede ser considerada como su banda sonora más importante, y que paradójicamente evoca lo más tradicional del género: Australia. La epopeya dirigida por Baz Luhrmann fue en su momento vapuleada por cierta parte de la crítica, que no quiso o no supo apreciar el componente clásico de una película arriesgada, en todos los sentidos. En cuanto a la partitura de Hirschfelder nos encontramos ante un caso muy particular de obra injustamente despreciada por la Academia de Hollywood y no menos por los editores discográficos, que no han aprovechado la oportunidad de publicar uno de los mejores scores de los últimos años, lleno de momentos intensos y espectaculares.

Australia es una obra que rescata el añorado aroma del western, y en especial del estilo de Aaron Copland (el archivo de audio es un ejemplo de ello), aunque el músico australiano también plasma en su partitura lo emotivo de la acción mediante melodías de elegante sinfonismo y serena sobriedad.

Orquestadores: Craig Bryant, Daniel Baker, Bryce Jacobs, James K. Lee y Jessica Wells.

Día 328: "Anastasia" de Alfred Newman (1956)

2010-10-04T00:04:00.004+02:00

Alfred Newman fue uno de los pioneros de la música cinematográfica en Hollywood. Desde 1930, cuando dio sus primeros pasos como director de orquesta para los estudios, hasta su última obra, Airport, escrita en 1970, su carrera es un magnífico ejemplo de profesionalidad.
Uno de sus scores más relevantes, y, por extensión, mejor valorados por los aficionados, pertenece a la película de Anatole Litvak Anastasia, uno de los productos típicos de la época dorada en el que sobresalía el carisma de dos grandes actores: Ingrid Bergman y Yul Brynner. La partitura de Newman ahonda en las raíces de la música del este de Europa, en especial la rusa, por lo que es inevitable sentir el aroma melódico de autores clásicos como Tchaikovsky, Prokofiev o Rachmaninov. Sin embargo, Anastasia va más allá de un mero arreglo de piezas sinfónicas (algo que, por otro lado, era una especialidad del músico norteamericano en el caso del cine musical), resultando, en definitiva, un score a todas luces entregado con pasión a la descripción de un amor en apariencia imposible.
Como curiosidad señalar que su hijo, David Newman, que tenía dos años cuando se estrenó la versión de Litvak, escribió en 1997 el score para la versión animada, también producida por Fox.

Orquestador: Edward B. Powell.
Arreglos (música rusa): Michel Michelet.

Día 327: "Last of the dogmen" de David Arnold (1995)

2010-10-03T00:01:00.005+02:00

Last of the dogmen (Los últimos guerreros) es, hasta la fecha, la única película dirigida por Tab Murphy (autor, por cierto, de los guiones de las producciones Disney The hunchback of Notre Dame, Tarzan y Atlantis: The lost empire). Para ilustrar este western moderno con supuestas bases históricas (una tribu de indígenas norteamericanos, aislada en el tiempo, es encontrada en lo profundo de las montañas por un rastreador a la caza de unos fugitivos), los productores contrataron a uno de los músicos más interesantes de la nueva generación de compositores cinematográficos: el británico David Arnold.

Con poco más de 30 años, Arnold escribió la música de grandes éxitos de los 90, realizados por Roland Emmerich, como Stargate, Independence day o Godzilla, en los que daba rienda suelta a un estilo enfático de imponentes orquestaciones (que adaptaría de manera un tanto convencional a partir de 1997 a la serie 007 con Tomorrow never dies).

En 1995 compuso su tercer score para la gran pantalla y, posiblemente, su creación más memorable, la mencionada Last of the dogmen. Partiendo de un tema central que da nombre al filme, Arnold se decanta por una creación a todas luces deudora del western más emocional, pero sin caer en la tentación de las melodías a lo 'americana' próximas a autores como Copland o Moross. Así, Last of the dogmen se convierte en una partitura que combina a la perfección las tonalidades épicas con aquellas que se centran en la descripción de la belleza del paisaje de alta montaña, dando como resultado una banda sonora intensamente poética.

Orquestador: Nicholas Dodd.

Día 326: "The sea hawk" de Erich Wolfgang Korngold (1940)

2010-10-02T00:09:00.009+02:00

The sea hawk (El halcón del mar) es considerada como la partitura cinematográfica más compleja de la historia del séptimo arte, al menos así lo atestiguan los directores y las orquestas que han tenido que interpretarla. Su inusual instrumentación, elaborada por Hugo Friedhofer, Ray Heindorf, Milan Roder y Simon Bucharoff, es estudiada con detenimiento por los expertos como una rara avis en el género, por lo general centrado en la creación de obras alejadas de lo complicado estilísticamente. Su autor, el inmortal músico checo Erich Wolfgang Korngold, fue uno de los más grandes compositores que ha dado el cine, a pesar de haber elaborado sólo 18 bandas sonoras para la gran pantalla; eso sí, la mayoría, por no decir todas, auténticas obras maestras.

En 1940, entre The private lives of Elizabeth and Essex y The sea wolf, Korngold compuso la mencionada The sea hawk. La película dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por Errol Flynn y Claude Rains, es un curioso filme de aventuras, a mayor gloria del imperio británico, que a día de hoy resulta refrescante pero algo trasnochado. Sin embargo, su música resalta el poder de sus imágenes mucho más allá de su carácter más o menos pueril, pues Korngold recrea la ambientación histórica como si de una ópera se tratase, evitando en todo momento la creación de temas superficiales.

The sea hawk seduce gracias a su clasicismo intemporal, deudor de autores como Richard Wagner o Gustav Mahler, algo que trasladó sin tapujos al celuloide, pues en su fuero interno nunca despreció un medio que, al final, le llevó a lo más alto de Hollywood.

Orquestadores: Hugo Friedhofer, Ray Heindorf, Milan Roder y Simon Bucharoff.

Día 325: "The cardinal" de Jerome Moross (1963)

2010-10-01T00:04:00.002+02:00

Orquestador durante más de diez años (1940-1952), en los que instrumentó partituras tan destacables como la escritas por Aaron Copland Our town y The North Star, o The best years of our lives de Hugo Friedhofer, o la no menos notable Since you went away de Max Steiner, Jerome Moross puede ser considerado, pese a sus escasas incursiones en el cine, como uno de los músicos norteamericanos más importantes del siglo XX.

Fue autor de obras para concierto como una sinfonía o piezas de cámara, todas ellas en las que imperaba un estilo que se ha conocido como "americana", y que es fiel reflejo de la simbiosis entre el jazz de Nueva Orleans y el más académico sinfonismo europeo.

En 1963 fue contratado por el realizador y productor Otto Preminger para componer el score de su película The cardinal (El cardinal). La historia de un joven sacerdote que se enfrenta a la intolerancia y al poder católico establecido, es descrita musicalmente por Moross mediante el empleo de una temática que no oculta su pasión por las melodías intensas y de acentuada energía (en especial su célebre y pomposo tema principal).

The cardinal es una banda sonora que consolidó a un autor cuya vehemencia resulta casi siempre contagiosa, en especial en aquellos momentos centrados en la exposición tonal de los miedos y las tragedias humanas, pero, eso sí, con una pincelada de agradecida belleza tonal.

Orquestadores: Gary Hughes y Albert Woodbury.

Día 324: "The egyptian" de Bernard Herrmann & Alfred Newman (1954)

2010-09-30T00:21:00.005+02:00

En plena emersión del formato CinemaScope, con unos estudios cada vez más obsesionados en desarrollarlo a través de películas de corte histórico en especial, el productor Darryl F. Zanuck intentó realizar con The egyptian (Sinuhé, el egipcio) su particular The robe, pero con resultados comerciales muy poco satisfactorios. La famosa novela de Mika Waltari tenía todos los mimbres para convertirse en un producto cinematográfico de primer orden, pero el habitualmente atinado realizador Michael Curtiz (Casablanca) no consiguió imprimir toda la energía literaria de la obra de Waltari. Sin embargo, todo lo contrario sucedió con la partitura escrita (raro en el Hollywood de entonces) a dos manos por dos de los más grandes compositores de cine: Alfred Newman y Bernard Herrmann. Entre ambos escribieron una banda sonora comme il faut, es decir, espectacular en su diseño musical de las escenas de masas, y emotivamente sentimental en los momentos más reposados (la mayor parte compuestos por Herrmann), aquellos que se centran en unos personajes que son el exponente de una etapa de la historia fascinante .

Orquestadores: Edward B. Powell y Bernard Herrmann.

Día 323: "The witches of Eastwick" de John Williams (1987)

2010-09-29T00:06:00.005+02:00

Desde 1952 John Williams ha forjado una de las carreras cinematográficas y televisivas más impactantes de la historia. Más de cien scores para los dos medios que testimonian el valor artístico de un músico que puede ser calificado como el más carismático e influyente de las últimas décadas.

Entre dos obras maestras como SpaceCamp y The empire of the sun, Williams compuso otra partitura no menos magistral: The witches of Eastwick (Las brujas de Eastwick). La alocada comedia de George Miller, protagonizada por un sobreactuado Jack Nicholson y unas entregadas Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer, quizás haya envejecido con el paso de los años, pese a alguna escena de innegable originalidad, pero el score del maestro neoyorquino aún permanece como una de sus obras más redondas.

The witches of Eastwick se abre con el sofisticado y enigmático tema The township of Eastwick, pero no será hasta el siguiente tema en la edición discográfica, The dance of the witches, que nos encontremos con el leitmotiv que refleja la particular obsesión de Williams por crear melodías emblemáticas y pegadizas. El resto de la obra muestra la singular fuerza sinfónica que siempre ha caracterizado la filmografía de John Williams, en especial en los momentos de acción y en aquellos en los que juega con el carácter cómico de la historia (en especial The tennis game).

Orquestador: Herbert W. Spencer.

Día 322: "Viva Zapata!" de Alex North (1952)

2010-09-28T00:51:00.006+02:00

A pesar de la repercusión histórica del gran Alex North, en realidad en los cerca de 50 años de carrera musical dentro de Hollywood tan sólo escribió poco más de 60 scores para la gran pantalla, muy lejos de los centenares de Max Steiner o Alfred Newman.

En 1952, tras el enorme éxito que obtuvo con A streetcar named desire un año antes, North compuso su primera banda sonora caracterizada por la espectacularidad de su temática: Viva Zapata! (después llegarían otras obras de arte como Spartacus, Cleopatra o The Shoes of the Fisherman). Para el filme dirigido con pulso firme por el polémico Elia Kazan, el mismo realizador de A streetcar named desire, el músico norteamericano dejó atrás el jazz sinfónico para centrarse en la escritura de una partitura de ambientación tradicional que se apoya en una instrumentación arriesgada por su singular aparatosidad. Pero es tan sólo una ilusión, pues North, en colaboración con Maurice de Packh, juega con gran pericia con el colorido melódico de la música popular mejicana, creando una cromática sinfonía que es todo un canto a la belleza del país americano.

Orquestador: Maurice de Packh.

Día 321: "The wreck of the Mary Deare" de George Duning (1959)

2010-09-27T11:43:00.004+02:00

Desde Johnny O'Clock en 1947 hasta la serie de televisión Zorro and son en 1983, George Duning, nacido en el estado norteamericano de Indiana, forjó una carrera en Hollywood que es fiel reflejo de un artista comprometido con el más puro clasicismo.

En sus primeros cuatro años en la meca del cine Duning trabajó como orquestador y arreglista de películas de relativo bajo presupuesto, salvo The Jolson story, para dedicarse con posterioridad casi en exclusiva a la composición para la gran pantalla, con sus incursiones inevitables en la pequeña.

Una de sus bandas sonoras de mayor calado entre los aficionados es The wreck of the Mary Dear (Misterio en el barco perdido). La película dirigida por Michael Anderson y protagonizada por Gary Cooper (su penúltima producción) y Charlton Heston, es un filme de muy cuidada ambientación, en especial en su primer cuarto (escenas dentro del barco). Para ilustrar la historia, Duning recurrió a una temática muy alejada de las melodías evidentes en su tonalidad ligera, típicas del cine del momento. Compuso por lo tanto una partitura de agobiante ritmo, muy dramática y que sólo se atempera con la presencia femenina en la acción.

The wreck of the Mary Deare no resulta un score de fácil audición, y es por ello que sobresale gracias a su capacidad para ceñirse a una trama de creciente suspense.

Orquestador (no acreditado): Arthur Morton.

Día 320: "Rudy" de Jerry Goldsmith (1993)

2010-09-26T00:04:00.003+02:00

17 nominaciones a los Oscar, 1 Oscar, 4 nominaciones a los Bafta, 2 nominaciones a los Emmy, 5 Emmy, 8 nominaciones a los Globos de Oro, 5 nominaciones a los Grammy. Y aún se quedan más premios y nominaciones en el tintero. Una demostración evidente de la importancia de Jerry Goldsmith dentro de la industria cinematográfica y musical.

Su genio creador y su fuerte carácter como autor han marcado seis décadas del cine y la televisión norteamericanos, desde 1951 hasta 2003.

En 1993, entre Dennis the Menace y Malice, Goldsmith compuso una de sus obras más poéticas: Rudy. La irregular película de David Anspaugh, con el que ya había colaborado con anterioridad en la más recomendable Hoosiers, recupera la temática deportiva de ésta y sirve al músico californiano como modelo para componer un score a todas luces bucólico en el que sobresale su Main title, uno de los más memorables de su extensa carrera. Desde este prólogo lírico, Goldsmith hace gala en el resto de la banda sonora de una sorprendente capacidad melódica, que cautiva y emociona gracias al empleo apasionado de los instrumentos de cuerda. Es pues una partitura que hace gala de una sensibilidad muy pocas veces sentida en una creación musical cinematográfica. Una obra maestra, en definitiva.

Orquestadores: Arthur Morton & Alexander Courage.

Día 319: "Nouvelle France" de Patrick Doyle (2004)

2010-09-25T00:02:00.001+02:00

Con un reparto de campanillas, principalmente francófono, en el que destacan Gérard Dépardieu, Vincent Pérez, Irène Jacob y Noémie Godin-Vigneau, aparte de grandes actores anglosajones como Tim Roth, Jason Isaacs o Colm Meaney, la superproducción franco-canadiense Nouvelle France (Tierra de pasiones) fue en su año de estreno, 2004, uno de los fracasos críticos más sonoros de la década. La acción, ambientada años antes de la Revolución francesa, muestra una Canadá en la que los intereses galos, británicos e indígenas subsisten entre constantes disputas. Sin embargo, la película se centra más bien en la relación amorosa entre un joven en busca de la libertad y una chica acusada de brujería.

Para ilustrar tan ambicioso argumento, quién mejor que el insuperable Patrick Doyle, tan habituado a describir con su música proyectos de trasfondo histórico, tales como Henry V, Hamlet, Indochine, Est-ouest o The last legion. En esta ocasión Doyle se decanta por un estilo deudor de los autores de la época dorada de Hollywood, quienes firmaban partituras con un leitmotiv de gran personalidad, motivo que se reinventaba a lo largo de toda la banda sonora. Nouvelle France sigue este esquema con un tema central de singular belleza, muy emotivo y alejado de toda previsibilidad. Apoyándose en la contundente instrumentación de James Shearman y Lawrence Ashmore (habitual este último de toda la filmografía de Patrick Doyle), el músico escocés desarrolla un score de apariencias ampulosas pero muy bien construido, pese a lo reiterativo del conjunto.

Orquestadores: James Shearman & Lawrence Ashmore.

Día 318: "Billy Elliot" de Stephen Warbeck (2000)

2010-09-24T00:05:00.008+02:00

El compositor británico Stephen Warbeck, cuya carrera puede ser considerada como una de las más coherentes y elegantes de entre sus colegas contemporáneos, ha firmado hasta la fecha más de 70 bandas sonoras, incluidas algunas de innegable repercusión, en especial su Oscar para Shakespeare in love, además de Quills, Captain Corelli's mandolin, Two brothers o Miguel and William.

En el año 2000 fue contratado por los productores Greg Brenman y Jon Finn para escribir la música de una de las películas con más carisma de principios de siglo: Billy Elliot. Aunque el filme de Stephen Daldry puede pecar en algún pasaje de aterciopelado, en el fondo se trata de una visión ácida y muy bien construida de la sociedad proletaria inglesa, y, por extensión, de los países occidentales.

El principal problema que debía solventar Warbeck era el hecho de no acabar aplastado por las pegadizas canciones que dominan la película. En el cine actual las ediciones destinadas a la venta más agresiva, con las listas de éxitos como horizonte comercial, coexisten con aquellas que incluyen solamente el score original. En el caso de Billy Elliot la partitura de Warbeck, de gran belleza y plausible sentido de lo clásico, sucumbió ante las presiones mediáticas, no siendo publicada a no ser en formato bootleg. Gracias a éste los aficionados hemos podido disfrutar de una obra breve pero intensa, que puede presumir de ser una de las más respetuosas de los últimos años con la tradición sinfónica.

Orquestador: Stephen Warbeck.

Día 317: "Airport 1975" de John Cacavas (1974)

2010-09-23T00:05:00.007+02:00

Desde 1972 con Pánico en el Transiberiano hasta el año 2000 con el telefilme Perfect murder, perfect town, el músico norteamericano John Cacavas ha forjado una filmografía por lo general centrada en la pequeña pantalla (Kojak, Mrs. Columbo, Hawaii Five-0,...), aunque sus incursiones en el cine, en especial en su primera etapa, fueron en su momento muy bien acogidas por crítica y público. La ya mencionada producción de terror Pánico en el Transiberiano, además de Airport 1975 o Airport 1977, son reflejo de un autor quizás no demasiado original en sus propuestas melódicas pero sí muy competente en su capacidad de adaptación.

En el caso de Airport 1975 (Aeropuerto 75), y casi por extensión de su más atinada, cinematográficamente hablando, secuela, Cacavas firma una partitura deudora en cierta manera del score de John Williams Earthquake, y apoyada en la solvencia de un magnífico tema central, que a la postre se ha convertido en uno de las más emblemáticos de la década de los 70. En él predomina el componente pop en perfecta sintonía con lo sinfónico, siguiendo lo que era moda en un momento en el que primaban en taquilla las superproducciones catastrofistas. El resto de la banda sonora camina por senderos más o menos trillados, pero sin caer nunca en la mediocridad.

Día 316: "The war of the Roses" de David Newman (1989)

2010-09-22T00:33:00.006+02:00

Hijo de Alfred Newman, hermano de Thomas Newman y primo de Randy Newman. Además Presidente de la Sociedad de Música Cinematográfica de Estados Unidos. Simple, en apariencia, pero muy significativo para situar la figura del compositor David Newman.

Desde 1984, con el cortometraje de Tim Burton Frankenweenie, hasta la reciente The spy next door, la filmografía del músico nacido en Los Ángeles recorre casi toda la paleta de géneros, siendo un buen ejemplo de composiciones pulidas y profesionales. Pese a situarse quizás un peldaño por debajo de sus familiares, al menos desde el punto de vista mediático, Newman puede ser considerado un autor de referencia como instaurador e impulsor del clasicismo que su padre desarrolló en las décadas de los 50 y 60, especialmente.

Su relación con el actor, productor y director Danny DeVito es una de las más fructíferas de Hollywood. Throw momma from the train, The war of the Roses, Hoffa, Matilda, Death to Smoochy, Duplex y Queen B conforman su colaboración artística, y en todas las películas Newman ha plasmado en el pentagrama el peculiar universo de DeVito a través de creaciones que no ceden a la comercialidad tan tradicional del cine de los últimos años.

En The war of the Roses (La Guerra de los Rose) David Newman evoca el mundo de las turbulentas relaciones de pareja mediante el empleo de un leitmotiv mordaz y burlesco, cuyo aguda comicidad no oculta la gravedad de la situación descrita en el guión de Michael Leeson. El resto del score incide en el tema principal, pero sin deslucir el conjunto, formando en definitiva un todo de serena pero punzante armonía.

Día 315: "Mía Sarah" de César Benito (2006)

2010-09-21T00:22:00.005+02:00

El joven compositor granadino César Benito es una de las más destacables promesas del panorama musical español e internacional. Graduado 'Cum laude' en composición musical cinematográfica en el Berklee School of Music de Boston, y afincado en Los Ángeles desde hace casi diez años, es autor de cinco bandas sonoras para la gran pantalla (Girls never call, Mía Sarah, Shevernatze,un ángel corrupto, Cielito lindo y Ways to live forever), además de series de televisión como La chica de ayer o Los protegidos.

Su score más notorio hasta la fecha corresponde a la película de Gustavo Ron Mía Sarah, una amable comedia romántica que no tuvo el éxito que se merecía. La partitura de Benito es una rara avis dentro del panorama celtíbero, pues sorprende por su perfecto acabado y, sobre todo, por su muy solvente instrumentación. Jugando con las posibilidades cromáticas del género, el músico andaluz lo recrea acentuando el componente más dinámico, en un ir y venir de temas a cual más lúdico.

Mía Sarah resulta además una de las bandas sonoras del reciente cine español que más se asemejan al estilo norteamericano, en especial en la escritura de melodías cuya frescura resulta una bocanada de aire puro y fresco.

Orquestador: César Benito.

Día 314: "Wrestling Ernest Hemingway" de Michael Convertino (1993)

2010-09-20T00:22:00.006+02:00

Pese a haber escrito poco más de 30 bandas sonoras, Michael Convertino, uno de mis compositores preferidos, es un autor que poco a poco va camino de convertirse en un clásico dentro de la música cinematográfica estadounidense. Children of a lesser god, Mother night, Guarding Tess o Bed of roses son scores de innegable personalidad que demuestran el talento de un autor sin duda infravalorado por la Industria.

En 1993 compuso el score de la película de la realizadora Randa Haines Wrestling Ernest Hemingway, tercera colaboración tras Children of a lesser god y The doctor. Es una banda sonora de corta pero intensa duración cuyo tema principal, que da título a la película, es fiel reflejo de la enorme sensibilidad melódica de un artista que resalta el lado más pasional de la música.

Secundado por la impagable colaboración de dos de los mejores orquestadores de Hollywood, John Neufeld y Conrad Pope (habituales de John Williams), Convertino firma un score de sorprendente solidez que seducirá a aquellos aficionados que disfruten con los platos exquisitamente preparados.

Orquestadores: John Neufeld & Conrad Pope.

Día 313: "The hanging tree" de Max Steiner & Jerry Livingston (1959)

2010-09-19T00:02:00.001+02:00

En muchas ocasiones, grandes artistas han permanecido casi en el anonimato para el gran público. Uno de ellos fue el músico Jerry Livingston. Ha pasado a la historia por ser el autor de canciones memorables como A dream is a wish you heart makes (Cinderella), The ballad of Cat Ballou (Cat Ballou) y, en especial, The hanging tree, con letra de Mack David. Esta última es el tema principal de la película del mismo título (en español El árbol del ahorcado), dirigida por Delmer Daves y Karl Malden, y protagonizada por Gary Cooper.

El score original fue compuesto por Max Steiner (entre Marjorie Morningstar y John Paul Jones), quien, como suele ser habitual en todas sus partituras, creó una obra de imponente sinfonismo en la que dejó un tanto de lado el estilo característico de los westerns para centrarse en temas más moderados. De hecho, The hanging tree no es una banda sonora que recurra a los tópicos, sino que profundiza en el carisma de la canción de Livingston y David, desarrollándola en incesantes variaciones cuya elegancia acentúa el poder de las imágenes.

Orquestador: Murray Cutter.

imdb.com - Jerry Livingston
imdb.com - Max Steiner
goear.com - Temas de Steiner

Día 312: "The changeling" de Rick Wilkins, Ken Wannberg y Howard Blake (1980)

2010-09-18T00:02:00.005+02:00

The Changeling (Al final de la escalera) puede ser considerada como una de las películas de terror más sobrecogedoras de la historia del cine. Su realizador, Peter Medak, cuya filmografía no destaca precisamente por su repercusión mediática, demostró que es posible hacer un filme de género sin recurrir a efectismos exagerados, desarrollando el suspense de una manera muy efectiva.

Para subrayar la trama (un compositor se retira a una vieja mansión después de haber sufrido la pérdida de su mujer y su hija en un fatal accidente), los productores recurrieron a tres compositores: Rick Wilkins, Ken Wannberg y Howard Blake. De ellos, sólo el último posee una obra dentro del cine más o menos fructífera (siendo además el creador de la melodía central), mientras que Wilkins (9 scores y sólo dos para la gran pantalla) y Wannberg (habitual editor de John Williams) se han centrado en sus carreras en funciones un tanto alejadas de la composición.

The changeling es una banda sonora modelo dentro del cine de terror, pues su temática, aunque no esconde sus preferencias por las melodías oscuras y tenebrosas, se centra en el poder evocador del piano, álter ego del angustiado protagonista, interpretado con la habitual profesionalidad por George C. Scott, y que muestra cómo un instrumento puede llegar a inquietar de manera muy sutil.

Orquestador: Albert Woodbury.

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soundtrackcollector.com

Día 311: "Gremlins" de Jerry Goldsmith (1984)

2010-09-17T00:03:00.004+02:00

Compuesta entre The lonely guy y Supergirl, Gremlins es una de las bandas sonoras míticas de Jerry Goldsmith. Para ilustrar la película de Joe Dante, de cuya continuación es preferible no acordarse, el músico angelino creó un tema central, The gremlin rag, finamente socarrón pero sin excederse en su ironía, que protagoniza el score y le dota a la vez de un aire cuyo carácter pícaro hace que la partitura deambule entre tonalidades que buscan el lado más bribón de la música. Y en ello Goldsmith siempre ha sido un maestro consumado.

Sin embargo, no todo el score se decanta por lo jocoso, sino que también nos encontramos con temas con un paradójico sentido de lo grave, en especial para un filme en apariencia familiar (sólo en apariencia) que seduce gracias a un guión arriesgado y muy bien cincelado.

En estos últimos años de alocada, y afortunada, carrera por la edición de grandes obras de la música de cine, es de esperar que próximamente se publique una creación que forma parte de los mejores recuerdos de los aficionados.

Orquestador: Arthur Morton.

Día 310: "Explorers" de Jerry Goldsmith (1985)

2010-09-16T00:02:00.001+02:00

La primera mitad de la década de los 80 supuso uno de los momentos más fructíferos artísticamente en la carrera del maestro Jerry Goldsmith. Scores como Night crossing, The final conflict, Masada, Outland, Poltergeist, The secret of NIMH, First blood, Twilight zone:The movie, Under fire, Gremlins, Supergirl, Baby:Secret of the lost legend o Legend constituyen algunas de sus obras más importantes y, por extensión, más memorables de la historia del cine.

En 1985 escribió la partitura para una de las películas menores de Joe Dante: Explorers (Exploradores). Protagonizada por unos principiantes Ehan Hawke y River Phoenix, resulta un filme que, como tantos otros ya citados en el blog, se beneficia enormemente del magistral score del músico californiano, quien, fiel a su emotivo estilismo, firma una banda sonora llena de momentos perdurables, en especial aquellos que se centran en las escenas ambientadas en la Tierra.

Explorers es pues una obra que sigue la línea marcada por Goldsmith en otras películas de corte familiar, anteriores o posteriores, como The secret of NIMH, Matinée, Dennis the Menace o Small soldiers, en las que sustituye el componente dramático por uno acorde a la historia, traducido en tonalidades que buscan el lado más festivo de la música.

Orquestador. Arthur Morton.

Día 309: "Broken lance" de Leigh Harline (1954)

2010-09-15T00:04:00.007+02:00

Aunque sólo fuera por haber escrito esa maravilla en forma de canción titulada When you wish upon a star, de Pinocchio, curiosamente la melodía que sirve para presentar el logo de la productora Disney, el músico Leigh Harline puede ser considerado uno de los autores más importantes de la música de cine.
Autor de cerca de 200 bandas sonoras, al igual que otros compositores que parecieron casi siempre escribir ensombrecidos por los músicos de renombre en Hollywood, tales como Roy Webb, Herbert Stothart o Daniele Amfitheatrof, Harline fue un artista de contrastada solidez, en especial en aquellas producciones que le permitían expresarse con más libertad (Snow White and the seven dwarfs, House of bamboo, The wonderful world of the Brothers Grimm, 7 faces of Dr. Lao,...). Sin embargo, la mayor parte de sus filmografía corresponde a películas de serie B que casi nunca le permitieron destacar dentro de la Industria.
Broken lance (Lanza rota) es posiblemente su score más notable. A ello quizás contribuye la solvencia de un filme dirigido con pulso firme por Edward Dmytrick. Harline firmó una partitura que se abre con un tema central que describe a la perfección el peculiar universo del western, para elaborar a continuación una serie de temas que van mucho más allá de lo incidental, reforzados por una instrumentación que sorprende debido a su ambición orquestal. De hecho, Broken lance se asemeja en más de un pasaje a los trabajos de autores actuales del cine de acción por su innovador uso de los instrumentos de viento.

Orquestador: Edward B. Powell.

Día 308: "The dead zone" de Michael Kamen (1983)

2010-09-14T00:03:00.003+02:00

Tras diez scores más bien desconocidos, salvo el perteneciente a la película protagonizada por Sean Connery en 1976 The next man, la oportunidad que todo compositor espera le llegó a Michael Kamen en 1983 con The dead zone (La zona muerta), la extraordinaria adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King realizada por David Cronenberg.

Kamen partió del Segundo movimiento de la Sinfonía nº 2 de Jean Sibelius (autor del que también arreglaría su Finlandia para Die hard 2), para escribir una partitura de profunda melancolía cuyo romanticismo se ve reforzado por una temática centrada en la descripción tonal del amor imposible y de la muerte.

The dead zone es una muestra palpable de la capacidad de Kamen para construir scores cuyo dramatismo va má allá de lo superfluo, tomando, además de Sibelius, la referencia de otro autor clásico: Bernard Herrmann. Es pues una obra 'a tres manos' sobrecogedora en su afán por evocar lo trágico de la existencia humana.

Orquestador: Michael Kamen.

Día 307: "Thirteen days" de Trevor Jones (2000)

2010-09-13T00:03:00.007+02:00

Desde hace siete años, con The League of Extraordinary Gentlemen, Trevor Jones parece un tanto apartado de las grandes producciones cinematográficas. Atrás quedaron innumerables momentos que permanecen en el recuerdo de todos los aficionados: Excalibur, The Dark Crystal, Labyrinth, The last of the mohicans, Loch Ness o The last place on Earth.

Uno de sus más memorables scores, posiblemente, junto a The Dark Crystal, el más sólido, es Thirteen days (Trece días). La solvente película de Roger Donaldson protagonizada por Bruce Grennwood y Kevin Costner, y basada en los cruciales hechos históricos que tuvieron como oscuro fondo la crisis de los misiles cubanos entre Estados Unidos y la Unión Soviética en octubre de 1962, se beneficia de una partitura que recupera el espíritu de los grandes clásicos de Hollywood, en especial en las escenas de acción y en su magnífico tema de los títulos de crédito finales. Sin embargo, el resto de la banda sonora, interpretada por la London Symphony Orchestra, hace gala también de la tradicional elegancia de los compositores británicos, en particular en su ajustado subrayado de las escenas dialogadas, algo que casi siempre se ha considerado como lo más complejo de la música de cine.

Orquestadores: Geoff Alexander, Trevor Jones & Julian Kershaw.

Día 306: "Thief of hearts" de Harold Faltermeyer (1984)

2010-09-12T00:03:00.010+02:00

Tras comentar obras maestras de Rózsa, Steiner, North, Herrmann, Williams o Goldsmith puede parecer algo aventurado incluir en la selección una banda sonora en apariencia prescindible como Thief of hearts (Ladrón de pasiones) de Harold Faltermeyer. Pero, en determinadas ocasiones, la selección es debida a motivos meramente personales, y en este caso porque dicha banda sonora fue uno de mis primeros vinilos.

Con Thief of hearts, intento por otra parte fallido al querer convertir al actor cubano Steven Bauer en estrella mediática tras Scarface, Faltermeyer desarrolló una partitura en la que sobresale su tema principal, que da título al filme, y que es secundado por una serie de canciones y temas originales que buscan lo comercial pero sin perjudicar la calidad de la composición.

El músico germano ha escrito poco menos de 20 scores cinematográficos, y los más destacables corresponden a la década de los 80, en la que adquirió notoriedad con Fletch, Top Gun, Beverly Hills cop y Tango & Cash. Sin embargo, su labor como escritor de canciones se extiende a otras películas, conformando en general una filmografía caracterizada por un estilo abiertamente electrónico, muy cercano a su amigo Giorgio Moroder, y que marcó una época gracias a la oportuna combinación de canciones techno-pop y música incidental.

Día 305: "The fourth protocol" de Lalo Schifrin (1987)

2010-09-11T00:02:00.003+02:00

A pesar de ser uno de los compositores más importantes durante las décadas de los 60 y 70, el músico argentino Lalo Schifrin ha visto cómo su prestigio no le servía a la hora de intervenir en los grandes proyectos del cine norteamericano. Atrás quedaban scores como Bullitt, Cool Hand Luke, Dirty Harry, Voyage of the damned o The Amityville horror, que son tan sólo unos pocos ejemplos de una filmografía de gran profesionalidad.

En 1987 compuso la banda sonora de The fourth protocol (El cuarto protocolo), película de John McKenzie protagonizada por Michael Caine y un incipidente Pierce Brosnan, basada en la exitosa novela de Frederick Forsyth. Schifrin, experto como pocos en las historias de acción y suspense, escribió una partitura que, pese a sus altibajos en el desarrollo, contiene algunos de los temas que han hecho del autor sudamericano un exponente del cine de género, en especial del thriller. El jazz y la orquesta se fusionan, pero concediendo en esta ocasión un mayor protagonismo a la instrumentación tradicional, algo que es evidente en el excelente tema de los títulos finales de crédito que se puede escuchar en el archivo de audio.

Música adicional: Francis Shaw.

Día 304: "The adventures of Baron Munchausen" de Michael Kamen (1988)

2010-09-10T00:05:00.000+02:00

En 1988, y con 40 años, Michael Kamen se encontraba ya en la cúspide de su carrera. Scores tan importantes como The dead zone, Brazil, Highlander, Lethal weapon, Die hard o Suspect le situaron en una posición de privilegio dentro de la compleja y, en ocasiones, caprichosa industria cinematográfica. Un estilo a medio camino entre lo contenido y lo intenso le confería un carácter abierto a la hora de adaptarse a todo tipo de producción.

El singular realizador Terry Gilliam era consciente de este don de Kamen y no dudó en contratarle para su alocada aventura The adventures of Baron Munchausen (Las aventuras del Barón Munchausen), uno de los más sonoros fracasos comerciales de la década. Lo excéntrico de la propuesta supuso una oportunidad de oro para el músico neoyorquino, quien exprimió el componente circense del argumento ofreciéndonos todo un recital lleno de momentos majestuosos y épicos, pero que no desdeñaban las sonoridades más próximas a lo bucólico. De hecho, The adventures of Baron Munchausen es una odisea artística desde la música hasta el diseño de vestuario, sin olvidar la fotografía o los decorados.

Orquestadores: John Fiddy, Alan Arnold, Michael Kamen, Edward Shearmur, Fiachra Trench & Rick Wentworth.

Día 303: "Children of a lesser god" de Michael Convertino (1986)

2010-09-09T00:01:00.002+02:00

Michael Convertino es uno de los compositores cinematográficos menos aprovechados de la historia. Pese a su extraordinario talento melódico, su obra, parada desde hace unos años, casi nunca ha despuntado en Hollywood.

En 1986 inició su colaboración con la directora Randa Haynes en el interesante filme Children of a lesser god (Hijos de un dios menor), al que seguirían The doctor, Wrestling Ernest Hemingway y Dance with me. Para la película protagonizada por William Hurt y la oscarizada Marlee Matlin, Convertino compuso un score muy próximo a lo minimalista y caracterizado por una armonía constante que gira alrededor de un tema central de serena quietud. Además, y para potenciar esta temática muy cercana a lo lírico, Convertino hizo hincapié en la peculiar sonoridad de los instrumentos de cuerda, imprimiendo un tono enérgicamente agudo que, en conjunción con los sintetizadores, acaba resaltando el poder bucólico de la música.

Es una obra, por lo tanto, que no deja indiferente y que se beneficia de las magníficas orquestaciones de Chris Boardman, Shirley Walker y el propio compositor.

Orquestadores: Shirley Walker, Michael Convertino y Chris Boardman.

Día 302: "The informer" de Max Steiner (1935)

2010-09-08T00:05:00.004+02:00

The informer (El delator) fue el primer Oscar de los tres que recibió Max Steiner. Los otros dos correspondieron a Now voyager y Since you went away, siendo además nominado en 18 ocasiones. La película dirigida por John Ford permanece hoy en día como uno de los retratos más intensos sobre la situación política y social a principios del siglo XX en Irlanda.

Steiner, cuyas bandas sonoras Bird of paradise, King Kong y Little women le empezaban a situar como el compositor más importante en el Hollywood de los años 30 (pese a los continuos 'desplantes' de los productores al no acreditarle en muchas de sus creaciones), compuso un score que combinaba los aires folclóricos con los melodramáticos de una manera muy sutil, en un alarde de adaptación orquestal que marcaría su estilo desde entonces.

Con The informer, editada oficialmente en 2002 por el sello BYU (Brigham Young University) junto a otros scores como Cimarron, Bird of paradise o The lost patrol, Steiner demostró el poder de la música original dentro del cine, que debía afianzarse como uno de sus principales pilares. Poco a poco, lo académico en su sentido más sinfónico empezó a desbancar a lo diegético, y The informer fue uno de los scores que mostraban hasta qué punto la música podía profundizar en la historia de un filme, casi como si se tratase de un personaje más.

Orquestadores: Maurice de Packh & Bernhard Kaun (no acreditados).

Día 301: "Monsignor Quixote" de Antón García Abril (1987)

2010-09-07T00:10:00.004+02:00

Monsignor Quixote (Monseñor Quijote) es una adaptación televisiva de la novela homónima de Graham Greene protagonizada por Alec Guiness y Leo McKern. En ella Quijote, cura de un pequeño pueblo español, sale en busca de aventuras en compañía del alcalde de El Toboso (Sancho, aunque en la novela se llama Enrique Zancas) y su viejo coche Rocinante. Se trata de una adaptación de la obra maestra de Miguel de Cervantes que, aunque se ve lastrada por una realización poco vistosa, en el fondo resulta un producto curioso en su intento de retratar lo costumbrista de la cultura ibérica.

Como no podía ser de otra manera, para tan peculiar proyecto los productores contrataron al mejor compositor español del momento: el turolense Antón García Abril. Partiendo del tema central que da título a la película, y que se inspira en la tradición clásica de los conciertos para guitarra y orquesta muy al estilo de Joaquín Rodrigo, García Abril recrea con su habitual elegancia sinfónica la singularidad humana, cultural y paisajística de la España de finales de la época franquista. Son once temas que demuestran la profesionalidad y la elegancia temática de un autor sin igual en el panorama musical español.

Por desgracia, la gran parte de la filmografía de Antón García Abril permanece hoy en día sin publicar, lo cual demuestra el analfabetismo de la producción musical en nuestro país en lo referente a la edición de bandas sonoras.

Orquestador: Antón García Abril.

Día 300: "Victory at sea" de Richard Rodgers (1952)

2010-09-06T10:12:00.005+02:00

Emitida entre 1952 y 1953, la serie de televisión Victory at sea, centrada en los combates navales que tuvieron lugar durante la Segunda Guerra Mundial, es célebre no sólo por su importante valor histórico a la hora de reflejar en imágenes tan duro periodo de la historia, sino también por su maravillosa banda sonora, escrita por uno de los músicos más importantes del siglo XX: Richard Rodgers.

El autor neoyorquino es reconocido en el mundo del cine y del teatro gracias a sus composiciones para la comedia musical. Oklahoma!, South Pacific, The king and I, Pal Joey o The sound of music conforman, entre otras, gran parte de lo mejor del género, siendo la mayoría de sus obras para el teatro adaptadas con posterioridad para la pantalla grande.

Junto con los letristas Lorenz Hart y Oscar Hammerstein II fue autor de canciones inolvidables como My funny Valentine, The lady is a tramp, Some enchanted evening, Edelweiss o Blue moon. Además, cerca de 500 películas para el cine y la televisión cuentan con temas creados por Rodgers.

En cuanto a Victory at sea, nos encontramos ante una partitura, dirigida en la versión original por Robert Russell Bennett, que se aleja del tradicional estilo ligero que caracteriza sus musicales para centrarse en un academicismo de tono abiertamente purista. Rodgers compuso un score que parece acercarse en más de un momento a lo ampuloso; pero es tan sólo una ilusión, pues pese a lo pomposo de la propuesta, en el fondo Victory at sea es reflejo de un autor que quiso desmarcarse de las tonalidades livianas para aproximarse a una música mucho más intensa y de sinfonismo turbador.

Día 299: "Tribute to a bad man" de Miklós Rózsa (1956)

2010-09-05T00:10:00.008+02:00

Tribute to a bad man (La ley de la horca) es un inusual western dirigido con pulso firme por Robert Wise y protagonizado por uno de los mejores y más carismáticos actores de Hollywood: James Cagney. La historia de un rudo ranchero sin escrúpulos a la hora de linchar a todo forastero que se adentre en sus propiedades, permanece hoy en día como un clásico del género por su dureza en el argumento, algo que por fortuna empezaba a ser habitual en la época.

Para describir musicalmente el filme los productores confiaron la composición de la partitura al maestro húngaro Miklós Rózsa. Compuesta entre dos grandes obras como Diane y Lust for life, Tribute to a bad man es fiel reflejo del modo de componer de Rózsa, quien no dudó en reiterar su estilo enfático y retórico, pero incluyendo el aroma singular de la música tradicional norteamericana. Todo el score es profundamente enérgico; desde su Prelude hasta significativos temas como Punishment, Torture o Agony (que muestran en sus títulos el carácter dramático de una obra intensa y a la vez sombría, aunque sin dejar de lado las oportunas pinceladas costumbristas), Miklós Rózsa elabora una robusta pieza musical en la que no hay lugar para la superficialidad.

Orquestador: Eugene Zador (no acreditado).

Día 298: "Un homme et son chien" de Philippe Rombi (2009)

2010-09-04T00:02:00.007+02:00

El músico francés Philippe Rombi forma, junto a Alexandre Desplat, Bruno Coulais y Frédéric Talgorn, la nueva y reluciente generación de compositores galos. De entre sus composiciones cinematográficas sobresalen especialmente Joyeux Noël, Angel y la presente Un homme et son chien (Un hombre y su perro). Esta última corresponde a un interesante pero fallido filme dirigido por Francis Huster y protagonizado por Jean-Paul Belmondo, que se ve perjudicado de manera notable por un reparto de actores secundarios muy poco inspirado. A años luz de esta falta de talento se encuentra el sorprendente score de Rombi, quien firma una creación de belleza inusitada en la que su tema central resulta una pieza de apariencia sencilla pero de fondo sutil.

La presencia casi constante del piano, acompañado, como suele ser habitual en composiciones de este tipo, por una sección de cuerda típica en las orquestas de cámara, da un aire refinado y sobrio a la partitura, tal y como corresponde al estilo de los grandes autores del país vecino.

Un homme et son chien puede y debe ser considerada como una de las tres mejores bandas sonoras de 2009, algo que además ratifica una curiosa anécdota en los títulos de crédito iniciales: el productor y el director de la película, al comprobar la calidad de la obra de Rombi, decidieron abrir la película con tan sólo cuatro créditos: título, protagonista, compositor y realizador.

Día 297: "The living daylights" de John Barry (1987)

2010-09-03T10:33:00.000+02:00

La última partitura de John Barry para la serie 007, compuesta entre dos obras meramente románticas como Peggy Sue got married y Masquerade, fue The living daylights (007: Alta tensión). La película de John Glen protagonizada por Timothy Dalton figura como una de las más emblemáticas y sugestivas de las realizadas sobre James Bond, y a ello contribuye el score de un Barry dispuesto a abandonar su colaboración saliendo por la puerta grande.

The living daylights supone una clara renovación en el estilo tradicional de sus obras anteriores, en especial en el empleo de percusión electrónica utilizada en las escenas de acción. Pero John Barry siempre ha sido fiel a su estilo aterciopelado a la hora de subrayar los momentos sentimentales del argumento, y es ahí donde el score sale aún más airoso, dotándolo de una elegancia pocas veces disfrutada en las posteriores entregas de la saga, sobre todo en el tema The Mujahadin, uno de los más bellos de su filmografía.

Orquestador: Nic Raine.

Día 296: "Les misérables" de Basil Poledouris (1998)

2010-09-02T00:12:00.003+02:00

Compuesta entre la recientemente analizada Starship Troopers y Mickey Blue Eyes, Basil Poledouris escribió una de sus partituras más emblemáticas: la adaptación cinematográfica de la obra maestra de Victor Hugo Les misérables (Los miserables). Dirigida por Bille August, la película es una rara avis dentro del cine contemporáneo, más preocupado en realizar remakes de antiguas producciones de éxito que de rememorar los innumerables clásicos de la literatura universal.

Poledouris puede ser considerado como uno de los músicos cinematográficos más desaprovechados de la historia. Pese a haber participado en películas de considerable importancia, al echar una ojeada en su obra se puede constatar que su talento como compositor debería haber sido más explotado.

Para Les misérables creó uno de sus clásicos temas principales, caracterizados, por lo general, por un intenso aire melancólico muy cercano a lo meramente romántico. Pero el score no se queda en la reiteración de dicho tema, sino que, con posterioridad al Main title (que aparece dentro de la edición de Varèse como integrante de la primera Suite) Poledouris combina con maestría lo melodramático con lo sentimental, en una combinación musical que permanece como una de las obras cumbre del cine de los 90.

Orquestador: Lawrence Ashmore.

Día 295: "In love and war" de George Fenton (1996)

2010-09-01T12:53:00.005+02:00

Más de 100 bandas sonoras, entre cine y televisión, conforman la carrera del músico londinense George Fenton. Desde 1971 con Private road hasta 2010 con la olvidable The bounty hunter, su filmografía recorre todos los géneros, demostrando su capacidad de adaptación a cualquier tipo de historia.

En la década de los 80 y principios de los 90 fue considerado, a raíz de sus cinco nominaciones al Oscar, como uno de los compositores con más futuro. De hecho, sus scores para Gandhi y Cry freedom, escritos cuando tenía 32 y 37 años, marcaron no sólo su posterior estilo sino su afianzamiento dentro de la Industria anglosajona.

Muchas son sus obras que merecen elogiosos comentarios, destacando en especial, aparte de las dos citadas con anterioridad, The company of wolves, High spirits, Dangerous liaisons, Memphis Belle, The fisher king, Shadowlands, Mary Reilly, Ever after, We're no angels, In love and war, y sus partituras para los documentales (de cine y televisión) Earth, Planet Earth y The blue planet.

En 1996 compuso uno de sus scores más intimistas y académicos: In love and war (En el amor y en la guerra). Pertenece a una película dirigida por Richard Attenborough, con el cual Fenton siempre ha mantenido una estrecha relación personal y artística, colaborando en otros filmes del actor y realizador británico como Gandhi, Cry freedom, Shadowlands y Grey Owl. In love and war es una demostración del refinamiento melódico de Fenton, quien crea una partitura de belleza pura y elegante, sin fisuras y plena de un romanticismo que, aunque en ocasiones se acerca a lo retórico, seduce por su fino sentido de lo apasionado.

Orquestadores: Geoff Alexander & Simon Chamberlain.

Día 294: "Starship Troopers" de Basil Poledouris (1997)

2010-08-31T00:02:00.004+02:00

Flesh+Blood, RoboCop y Starship Troopers conforman las tres películas en la colaboración entre Basil Poledouris y el cineasta holandés Paul Verhoeven. La última de ellas, uno de los filmes de ciencia-ficción más notables de las últimas dos décadas, fue en su momento un sorprendente éxito, llegando incluso a generar dos olvidables secuelas. El score de Poledouris, compuesto entre Switchback y Les misérables, resulta una de sus obras más espectaculares debido a una poderosa y eficiente orquestación, que refuerza aún más el carácter fastuoso de la misma.

Starship Troopers se abre con una particular marcha, Fed Ned Match, que sirve de breve preámbulo a una posterior sucesión de temas enérgicos, cercanos a lo recargado pero que nunca resultan excesivos en su descripción de la acción imparable de la película. Así, sobresalen por su dinamismo cortes como Bugs! o Klendathu drop, aunque el resto no se queda atrás a la hora de imprimir impetuosidad a una banda sonora que figura como una de las más recomendables de los años 90.

Orquestadores: Steven Bramson, Greig McRitchie & Steven Scott Smalley.

Música adicional: Eric Colvin (no acreditado).

Día 293: "The private life of Sherlock Holmes" de Miklós Rózsa (1970)

2010-08-30T00:02:00.002+02:00

El realizador, productor y guionista Billy Wilder era un apasionado de la música clásica, la cual solía poner de fondo en los ensayos de sus películas, y en muchos casos durante las grabaciones de las mismas. Su amistad con el maestro Miklós Rózsa, con el que trabajó en Fives graves to Cairo, Double indemnity, The private life of Sherlock Holmes y Fedora, hizo que algunas de dichas piezas clásicas formaran parte de tan singular repertorio. Una de ellas, el Concierto para violín y orquesta, compuesto en 1953, era una de las favoritas del director polaco, y acabó siendo el motivo melódico principal de The private life of Sherlock Holmes (La vida privada de Sherlock Holmes), un peculiar acercamiento al personaje creado por Arthur Conan Doyle.

La partitura de Rózsa combina los dos estilos del músico húngaro: el puramente cinematográfico (que potencia lo incidental) y el clasicismo de raíces europeas. Así, The private life of Sherlock Holmes nos ofrece un imponente recital melódico que juega con el romance y el suspense de manera muy contenida, pese a los inevitables toques recargados propios de Rózsa, caracterizados por una instrumentación orquestal cercana a lo exagerado.

Orquestadores: David Tamkin y Angela Morley (no acreditada).

Día 292: "Castillos de cartón" de Pascal Gaigne (2009)

2010-08-29T00:04:00.006+02:00

Aunque Pascal Gaigne es un músico de nacionalidad francesa, prácticamente toda su filmografía pertenece a películas españolas. Instalado en San Sebastián a la edad de 27 años, Gaigne compuso su primer score para la gran pantalla, Ander eta Yul, en 1984. A partir de ese momento su carrera ha ido en constante ascenso, sobresaliendo partituras como Flores de otro mundo, Silencio roto, El sol del membrillo, Azul oscuro casi negro y muy especialmente la presente Castillos de cartón.

Castillos de cartón es un irregular pero interesante filme dirigido por Salvador García Ruiz que narra la singular relación amorosa entre dos chicos y una chica en la España de los años 80. Gaigne otorga a su creación de un espíritu apasionado que seduce por su sutil sencillez melódica, dejando de lado los cánones tradicionales del género romántico, más preocupados por los temas aterciopelados, y decantándose por una línea tonal a medio camino entre lo minimalista y lo académico. Es quizás el mejor trabajo del músico galo hasta la fecha, y una de las bandas sonoras más infravaloradas del pasado año.

Orquestador: Pascal Gaigne.

Día 291: "Shane" de Victor Young (1953)

2010-08-28T00:02:00.003+02:00

Victor Young es un buen ejemplo de compositor afincado en Hollywood cuya filmografía, aparte de su calidad, viene marcada por su carácter prolífico. Desde 1936 hasta 1956, año en el que falleció prematuramente, escribió más de 200 bandas sonoras; todo un récord.

Siempre ha sido considerado como uno de los autores más elegantes de la Industria, destacando en especial obras maestras indiscutibles como The uninvited, Samson and Delilah, Scaramouche, The quiet man, The left hand of God, The brave one o Shane.

Shane (Raíces profundas) se caracteriza por tratarse de una obra que no oculta su influencia del estilo americana tan próximo a Aaron Copland. De hecho, su tema central, que se oye en los títulos iniciales, parece no querer adentrarse en terrenos musicales novedosos, decantándose por una tonalidad bastante previsible pero de innegable belleza. Young desarrolla a continuación su amor por las melodías serenas y delicadas, no exentas de pinceladas oscuras pero que desembocan al final en un academicismo de sobrecogedor lirismo.

Orquestadores: Sidney Cutner, George Parrish & Leo Shuken.

Día 290: "A prayer for the dying" de Bill Conti (1987)

2010-08-27T00:10:00.002+02:00

Autor de más de 130 bandas sonoras, Bill Conti es uno de los compositores cinematográficos más célebres entre los aficionados...y los no tan aficionados. Sus melodías inconfundibles para Rocky, The Karate Kid, Falcon Crest, Dinasty o North and south le han situado en un lugar de honor como músico solvente y profesional.

Después de su merecido, a la vez que polémico, Oscar por The right stuff, su carrera se vio aún más impulsada. Incluso puede afirmarse que la década de los 80 supone una periodo de esplendor en su filmografía, pues en ella escribió scores del calibre de la ya citada North and south, además de Victory, The formula, F/X, Masters of the Universe, Broadcast News o A prayer for the dying (Réquiem por los que van a morir). Este último pertenece a una película dirigida por el ahora olvidado Mike Hodges y protagonizada por Mickey Rourke, Bob Hoskins y Alan Bates. En ella se trata con mayor o menor fortuna artística el espinoso tema del IRA, en un intento de reflejar una realidad política y social que quizás peque de superficial.

La partitura compuesta en un principio por John Scott no fue del gusto de los productores, aunque sí del director, quien vio cómo fue con posterioridad contratado Conti para la elaboración de la música. Curiosamente, el realizador británico no quedó muy satisfecho con el trabajo del músico norteamericano, pese a su poderoso tema principal, posiblemente el más bello de su carrera. De hecho, la música de Bill Conti resalta, con un lirismo poco habitual en este tipo de producciones, el carácter melancólico del personaje protagonista, atormentado por una realidad que le supera.

Como anécdota destacar que, hasta el momento, aún no ha sido editado el score de manera oficial.

Día 289: "Fortunata y Jacinta" de Antón García Abril (1980)

2010-08-26T00:02:00.003+02:00

Con más de 150 bandas sonoras en su haber, el compositor turolense Antón García Abril lleva 16 años apartado del mundo del cine y la televisión. Su última creación corresponde a la serie protagonizada por Lina Morgan Compuesta y sin novio (por otra parte, un mero encargo más bien olvidable).

Gran parte de su filmografía se vincula a películas de dudosa calidad artística (Historia de "S", Rocky Carambola, Vaya par de gemelos, Fulanita y sus menganos, Zorrita Martínez,....), en especial a una época (década de los 70 sobre todo) marcada por las producciones de corte erótico. García Abril, cuya obra también se relaciona con otro tipo de filmes más próximos a la comedia de costumbres (Los guardamarinas, La chica del trébol, Sor Citroen, Vente a Alemania,Pepe), es un autor que siempre supo adaptarse a la perfección a una cinematografía más preocupada por lo superficial que por lo profundo.

Sin embargo, sería injusto no citar otras bandas sonoras pertenecientes a películas de mayor prestigio, en especial El perro, Gary Cooper que estás en los cielos, El crimen de Cuenca o Los santos inocentes, sin olvidar series televisivas tan destacables como Cervantes, Ramón y Cajal, Anillos de oro y Fortunata y Jacinta. Esta última, dirigida en sus 10 episodios por Mario Camus, fue en su momento un importante éxito de crítica y público, y a ello contribuyó especialmente la composición de Antón García Abril, quien se alejó de las tonalidades jocosas para centrarse en la elaboración de una partitura melancólica y de profundo romanticismo que recrea la España dibujada por la pluma de Benito Pérez Galdós reforzando su lado más humanista.

Fortunata y Jacinta, que sorprendentemente fue editada el mismo año de su emisión televisiva (algo muy poco habitual por estos lares), permanece como un lúcido ejemplo de un autor de inusitada capacidad camaleónica que siempre supo situarse por encima de toda puerilidad.

Día 288: "Who is killing the great chefs of Europe?" de Henry Mancini (1978)

2010-08-25T00:01:00.002+02:00

Who is killing the great chefs of Europe? (Pero....¿quién mata a los grandes chefs?) es una divertida comedia de suspense dirigida por Ted Kotcheff (First blood) y protagonizada por Jacqueline Bisset y George Segal. Para subrayar la trama quién mejor que el gran Henry Mancini, siempre insuperable en la descripción de situaciones cercanas al vodevil.
Compuesto en un momento en el que el músico nacido en Cleveland parecía decantarse por los scores más orquestales (The prisoner of Zenda, The thorn birds, Silver Streak), Who is killing the great chefs of Europe?, incomprensiblemente aún sin editar en CD, hace gala de una elegancia que acaba contagiando su espíritu refinado. De hecho, temas como Pesce! (archivo de audio) o Bombe Richelieu dan fe de la capacidad de Mancini para la creación de melodías perdurables, en especial el primero, uno de los más pegadizos de la historia del cine.
imdb.com
soundtrackcollector.com
henrymancini.com

Día 287: "One night stand" de Mike Figgis (1997)

2010-08-24T00:10:00.005+02:00

El realizador, guionista, productor y compositor británico Mike Figgis puede ser considerado como una rara avis dentro de la industria cinematográfica, ya que existen muy pocos cineastas que dirijan y compongan la música de sus propias películas (destacan otros artistas como Clint Eastwood o Alejandro Amenábar).

De entre sus cerca de 20 filmes como director sobresalen especialmente Leaving Las Vegas y One night stand (Después de una noche). Este último, que le valió un merecido premio en el Festival de Venecia a Wesley Snipes, puede ser considerado como uno de los melodramas románticos más interesantes de la década de los 90, y a ello contribuye un guión de solvente sobriedad, alejado de convencionalismos, y en especial el elegante score de Mike Figgis, a medio camino entre lo jazzístico y lo minimalista.

El músico inglés se apoya en la serena belleza del tema de amor (Max and Karen), uno de los más memorables de los últimos 30 años, para desarrollar un score emotivo e intimista que no evita los rincones propios del jazz, es decir, las tonalidades cálidas y rítmicamente muy bien ajustadas a la trama amorosa.

Día 286: "Judgment at Nuremberg" de Ernest Gold (1961)

2010-08-23T11:55:00.004+02:00

Gran parte de la 'culpa' de mi afición por la música cinematográfica es debida el desparecido sello español Belter. Su último proyecto discográfico fue la maravillosa serie Historia de la música en el cine, de la que he incluido en anteriores ocasiones alguna carátula frontal. En este caso nos encontramos ante un score sin duda carismático: el escrito por el músico austriaco Ernest Gold para la película de su inseparable amigo Stanley Kramer, Judgment at Nuremberg (Vencedores o vencidos). Las más destacables de sus colaboraciones fueron la oscarizada un año antes Exodus, además de Pressure point, It's a mad, mad, mad, mad world, Ship of fools y The secret of Santa Vittoria.

Judgment at Nuremberg es una banda sonora singular en el mundo del cine, pues asocia con singular sutileza lo incidental (propio de los scores para la gran pantalla) con las canciones militares alemanas. Lo curioso además es la belleza de éstas, una triste en el fondo paradoja musical. Así, temas de Gold como Overture o Entr'acte se funden con lo marcial, e incluso con fragmentos de los discursos de los personajes interpretados por Burt Lancaster y Spencer Tracy, en una combinación que no hará las delicias de los aficionados pero que sí muestran el carácter iconoclasta de la banda sonora.

Día 285: "A place in the sun" de Franz Waxman (1951)

2010-08-22T11:34:00.003+02:00

Otra banda sonora de valor artístico incalculable que aún no tiene edición discográfica oficial es A place in the sun (Un lugar en el sol), de Franz Waxman. Tan sólo podemos encontrar en la red, y en círculos muy reducidos de venta directa, un bootleg de sonido deficiente que hace que nos sintamos obligados a remitirnos a la grabación de Charles Gerhardt para Classic Film Scores. De todas maneras, en el archivo de Goear he incluido la banda sonora original, al menos como referente de lo que Waxman dirigió en su día.

Basada en la novela de Theodore Dreiser, la película dirigida por George Stevens supuso el segundo Oscar consecutivo para Waxman tras Sunset Boulevard. En esta ocasión, el compositor de origen polaco escribió una partitura que mezclaba lo romántico con lo dramático, y que daba un singular protagonismo al saxo tenor, en un momento en el que las bandas sonoras no solían concederlo con demasiada ligereza.

A place in the sun es una obra compleja, como casi todas las de Waxman, que aunque no evita el componente tonal centrado en la relación amorosa de los personajes interpretados por Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, se decanta más bien por un contenido dramatismo que toma como punto central un argumento más preocupado por el suspense que por el romanticismo.

Orquestadores: Sidney Cutner, George Parrish, Leonid Raab, Leo Shuken y Nathan van Cleave (no acreditados).

Música adicional: Daniele Amfitheatrof y Victor Young.

Día 284: "Lust for life" de Miklós Rózsa (1956)

2010-08-21T10:00:00.001+02:00

El músico húngaro Miklós Rózsa, como ya he indicado en anteriores ocasiones, es el especialista en escribir partituras para el cine histórico. Uno de sus scores más representativos en este sentido es Lust for life (El loco del pelo rojo -sic-). Situado entre dos obras menores como Bhowani junction y Something of value, Lust for life se beneficia de la pericia como director del siempre plausible Vincente Minnelli, y no menos de la impecable fotografía de Russell Harlan y Freddie Young, quienes retratan el universo pictórico del gran Vincent Van Gogh de manera muy solvente.
La plasticidad de dicha fotografía sirve a Rózsa para recrear no sólo las pinturas de Van Gogh sino también una vida marcada por los fracasos personales. Así, desde el imponente Prelude, pasando por los no menos radiantes The artist, Light and color o Summer, la banda sonora recorre toda la gama cromática de la paleta del artista holandés con singular delicadeza en su traslado al pentagrama. Miklós Rózsa consigue conmovernos a la hora de mostrar con melancólica poesía una vida, como el propio título en inglés indica, de la que el pintor está cansado, pues los avatares constantes han hecho de él un individuo sin rumbo aparente, perdido por culpa de la ceguera ajena.

Orquestador: Eugene Zador.

Día 283: "El hombre y la Tierra" de Antón García Abril (1974-1980)

2010-08-20T00:10:00.006+02:00

La serie producida, escrita y dirigida por el añorado Félix Rodríguez de la Fuente El hombre y la Tierra, se estructuró en tres partes, desde 1974 hasta 1980: Sudamérica (Venezuela), Fauna Ibérica y Fauna Norteamericana (Canadá y Alaska). Considerada como un referente de los documentales sobre la naturaleza, El hombre y la Tierra forma parte de los recuerdos de toda una generación de españoles que empezaron gracias a ella a amar y a respetar la fauna y la flora de medio mundo.

Para subrayar musicalmente tan ambicioso proyecto televisivo, Rodríguez de la Fuente contó con la inestimable colaboración de uno de los compositores españoles más prestigiosos: Antón García Abril. Su tema de los títulos de crédito inciales es todo un clásico de la música española, y en él el artista aragonés concede casi todo el protagonismo a los instrumentos de percusión, en clara alusión al carácter tribal y enigmático de la ambientación típica de los documentales sobre la fauna salvaje. El hombre y la Tierra, sin embargo, en su ingente producción musical no es tan sólo una sucesión de melodías más o menos indómitas, sino que García Abril también concede protagonismo a los temas de carácter cercano a lo pastoril, mostrando que lo bucólico es en ocasiones amigo de lo ecológico.

Por desgracia, y de manera incomprensible, aún no existe ninguna edición de tan plausible proyecto musical; solamente una grabación en sonido mono del referido tema central. En España seguimos siendo unos Quijotes.

Orquestador: Anton García Abril.

Día 282: "The ghost and Mrs. Muir" de Bernard Herrmann (1947)

2010-08-19T00:05:00.003+02:00

Compuesta entre Anna and the king of Siam y The day the Earth stood still, The ghost and Mrs. Muir (El fantasma y la Señora Muir) era la banda sonora favorita del maestro Bernard Herrmann. Como explica su biógrafo Steven C. Smith en A heart at fire's center. The film music of Bernard Herrmann, "se trata de una partitura poética, única y muy personal. Contiene la esencia de su ideología Romántica, en particular su fascinación por la muerte, el éxtasis romántico y la belleza de la soledad más melancólica".

The ghost and Mrs. Muir respira las influencias de La mer de Claude Debussy y Peter Grimes de Benjamin Britten. Temas como Prologue, Poetry, The spring sea o Forever son fiel reflejo de la pasión de un artista que siempre dio lo mejor de sí mismo, en especial en aquellas películas que recreaban la temática amorosa sin tapujos. Ejemplo de ello son scores magistrales como la ya citada Anna and the king of Siam, además de Jane Eyre, The snows of Kilimanjaro, Vertigo oTender is the night.

El filme de Joseph Leo Mankiewicz, ambientado a principios del siglo XX, está basado en la novela de R. A. Dick y resulta un largometraje que mezcla con pericia lo oscuro con lo luminoso, el amor y la muerte, en una simbiosis que parece no querer evitar lo trágico. Y Herrmann con su música potencia el lado melodramático a través de una creación cuyo carácter bucólico la ha hecho inmortal.

Orquestador: Bernard Herrmann.

Día 281: "The sting" de Marvin Hamlisch & Scott Joplin (1973)

2010-08-18T00:10:00.003+02:00

En 42 años de carrera dentro del mundo del cine, Marvin Hamlisch no se ha caracterizado por ser un compositor en exceso prolífico, pues sus bandas sonoras son poco más de 50. Desde The swimmer, su reluciente score inicial, hasta The informant, el músico neoyorquino se ha forjado un más que merecido prestigio, en especial en 1974 cuando recibió tres Oscar, dos por The way we were (canción y score) y uno por The sting (adaptación).

The sting (El golpe) es considerada como una de las 1oo mejores películas de la historia del cine. La cinta dirigida por George Roy Hill reunió a dos estrellas del calibre de Robert Redford y Paul Newman, pocos años después de que el brillante terceto trabajara junto en Butch Cassidy and the Sundance Kid. La partitura musical fue encargada a Hamlisch, quien se decantó por las creaciones del mítico Scott Joplin, perfecto para decorar la ambientación del filme: los años 30. Sus célebres rags cobran de nuevo vida en los arreglos de Hamlisch, quien acentúa aún más si cabe el carácter pegadizo de unas melodías que hicieron furor en su momento y que volvieron a tener un notable éxito en los 70 gracias al largometraje de Roy Hill.

Orquestador: Billy Byers.

Día 280: "Much ado about nothing" de Patrick Doyle (1993)

2010-08-17T00:12:00.002+02:00

Kenneth Branagh, Emma Thompson, Denzel Washington, Michael Keaton, Kate Beckinsale, Robert Sean Leonard y Keanu Reeves forman el reparto de campanillas de Much ado about nothing (Mucho ruido y pocas nueces), la festiva adaptación cinematográfica de Branagh a partir de la obra teatral de William Shakespeare. Fue la tercera colaboración con el compositor y amigo Patrick Doyle, tras Henry V y Dead again, a las que seguirían con posterioridad Frankenstein, Hamlet, Love's labour's lost, As you like it, Sleuth y la aún no estrenada Thor.

En los más de 60 minutos de música de Much ado about nothing, al menos en su edición discográfica, Doyle plasma en el pentagrama con inusitada vehemencia su amor por las melodías alegres y plenas de vitalidad. Muestra de ello son Overture, The masked bal o Benedick the married man. En ellas todo resulta centelleante en su lúcido sentido de lo luminoso.

La comedia de Shakespeare no esconde su preferencia por las situaciones comunes llevadas al límite, y para describirlas quién mejor que un compositor que conoce como pocos el arte de la escritura elegante y, a la vez, oportunamente heroica.

Orquestador: Lawrence Ashmore.

Día 279: "Baby's day out" de Bruce Broughton (1994)

2010-08-16T00:05:00.004+02:00

Compuesta entre la épica Tombstone y la navideña Miracle on 34th Street, Baby's day out (El peque se va de marcha -sic-), es una de las bandas sonoras más representativas de la filmografía del compositor Bruce Broughton. La película escrita por el recientemente fallecido John Hughes y dirigida por Patrick Read Johnson, es una comedia alocada pero con algunos de los momentos más divertidos de la década de los 90; de hecho, se trata de un sentido homenaje al cine cómico mudo.

Broughton elaboró un score estructurado temáticamente en tres partes: una que recreaba los momentos más jocosos, otra que se centraba en las situaciones más familiares y una tercera de clara inspiración clásica (memorable el vals a lo Strauss en la escena del edificio en construcción).

Destacan por su colorido temas como Main title, Street crosing, The construction site o Quitting time, aunque son tan sólo cuatro de un conjunto de gran coherencia que nunca decepciona.

Baby's day out aún se encuentra a la espera (Intrada no tardará en publicarlo a buen seguro) de una edición oficial que haga justicia a una obra de refrescante sinfonismo, modelo de creación orquestal cuya elegancia e intensidad deberían ser un ejemplo para todos aquellos compositores actuales más preocupados por las estridencias que por la creatividad.

Día 278: "Suspicion" de Franz Waxman (1941)

2010-08-15T00:10:00.003+02:00

Rebecca, Suspicion, The Paradine case y Rear window configuran (como en el comentario anterior de Strangers on a train) la colaboración entre Franz Waxman y Alfred Hitchcock. El cineasta inglés siempre, salvo excepciones, se rodeó de grandes compositores para sus filmes, y en los cuatro casos anteriores Waxman le demostró que no sólo de subrayado basado en el suspense vive el músico de cine de género.
Suspicion (Sospecha) fue la segunda película juntos y en ella el compositor polaco partió de un Main title tradicional en los años 40 que condicionaba prácticamente toda la banda sonora, pues en él se reflejaba la personalidad del score, en este caso con un cierto tono ampuloso pero cediendo el protagonismo al tema romántico tan querido por los grandes clásicos.
Al igual que en Strangers on a train, los aficionados seguimos a la espera de ver editada la banda sonora, incunable innegable de un autor que nunca cesó en su empeño por escribir scores cuya atonalidad se hermanaba con enorme sutileza con las tradicionales tonalidades armoniosas.
imdb.com
soundtrackcollector.com
franzwaxman.com

Día 277: "Strangers on a train" de Dimitri Tiomkin (1951)

2010-08-14T00:10:00.004+02:00

Shadow of a doubt, Strangers on a train, I confess y Dial M for murder son las cuatro obras maestras en las que colaboraron dos genios del séptimo arte: Dimitri Tiomkin y Alfred Hitchcock. En la segunda, Strangers on a train (Extraños en un tren) el músico ucraniano compuso una de las bandas sonoras más efectivas de la historia del cine. En ella parece dejar de lado el componente melodramático, inherente en todo filme de suspense que se precie, para centrarse en la pintura musical más próxima a los cánones del clasicismo del siglo XIX (no en vano era un autor de un país del este de Europa).
Tiomkin nunca se caracterizó por su ligereza ni por ser un artista demasiado contenido, y en Strangers on a train vuelve a dar rienda suelta a su pasión por las tonalidades enfáticas y espectaculares, que no ocultan su radiante academicismo, algo que solía ser motivo de crítica entre sus detractores.
Pese a la importancia del score, resulta incomprensible que, a día de hoy, aún no se haya editado oficialmente. Es de esperar que, con el aluvión de publicaciones clásicas, esta pieza de museo vea la luz lo antes posible. Mientras tanto, deberemos conformarnos con la excelente Suite interpretada por la Orquesta Sinfónica de Utah (1990 - Varèse Sarabande).

Día 276: "Paperhouse" de Hans Zimmer & Syanley Myers (1988)

2010-08-13T00:12:00.003+02:00

El músico alemán Hans Zimmer es posiblemente el compositor de bandas sonoras más importante del momento, no por la trascendencia artística de sus obras sino por su prestigio dentro de la Industria. Su carrera empezó a despuntar en 1988 con su score para la película de Chris Menges A world apart, y cuando tenía tan solo 31 años. Pero su creación más destacable de su primera etapa es Paperhouse (Casa de papel), también de 1988. Dirigido por Bernard Rose, uno de los realizadores más prometedores en su momento pero que, con posterioridad, no cumplió con las expectativas creadas, Paperhouse resulta un largometraje brillante en su visión del mundo onírico desde la perspectiva infantil.

Para recrear el universo fantástico escrito por Matthew Jacobs y basado en la novela de Catherine Storr, Zimmer, en colaboración con Stanley Myers (The deer hunter), aplicó su bien conocida pericia en el empleo de los sintetizadores para elaborar una composición refinada y muy contenida. Lo electrónico no es en este caso sinónimo de superficialidad; más bien todo lo opuesto, pues Hans Zimmer y Stanley Myers hacen galan de un carácter melódico poco usual en scores de este tipo. Así, Paperhouse acaba configurándose como una banda sonora de referencia, ejemplar además por su inventiva y coherencia.

Día 275: "Body heat" de John Barry (1981)

2010-08-12T00:02:00.003+02:00

Cuando Lawrence Kasdan estrenó en agosto de 1981 Body heat (Fuego en el cuerpo) era muy evidente que su película iba a provocar más de un alboroto sensacionalista debido al elevado tono erótico de algunas escenas. Consciente de la sensualidad de su propio guión, Kasdan no dudó en contar con el músico británico John Barry para describir la ambientación sofocante y tórrida del filme.

La banda sonora comienza con un Main title que se apoya en la elegancia del saxo tenor para reforzar el lado voluptuoso del argumento; en cierta manera es una presentación muy perspicaz del mismo. A continuación llegan los cortes Ned y Matty's place, que profundizan en la vertiente misteriosa mediante el empleo de una orquestación sencilla y sin estridencias. Pero Barry no renuncia con posterioridad al erotismo tan sugerido desde la presentación del personaje interpretado por Kathleen Turner. Temas como I'm burning up o Kill for pussy hacen gala de un lascivo sentido de lo musical que aún hoy en día permanece como modelo de banda sonora de género.

Día 274: "Adventures of Don Juan" de Max Steiner (1948)

2010-08-11T00:10:00.003+02:00

Compuesta entre Johnny Belinda y The decision of Christopher Blake, Adventures of Don Juan (El burlador de Castilla) resulta una de las bandas sonoras más emblemáticas de Max Steiner. En ella el maestro austriaco vuelve a dar rienda suelta a su pasión por las partituras ampulosas y llenas de colorido sinfónico, tan del gusto del Hollywood de la época dorada (desde los años 30 hasta principios de los 60). Para la simpática película dirigida por Vincent Sherman, que constituye uno de los últimos éxitos del aventurero Errol Flynn, Steiner recrea la España barroca del siglo XVII a través de melodías más cercanas al estilo Korngold que a la tradición peninsular, aunque siempre teniendo en cuenta la simbología de la música ibérica.

Adventures of Don Juan se abre con un Main title heroico y radiante al que le sigue toda una sucesión de temas vibrantes (Final scene) no exentos del oportuno toque sentimental (Don Juan and the queen).

En el año 2000 el sello Brigham Young publicó el score completo original (más de 70 minutos), aunque la Suite de Charles Gerhardt para su serie Classic Film Scores es la que más fresca permanece en la memoria de todo aficionado a la música de cine clásica. Dicha adaptación es la que podéis escuchar en el archivo de audio.

Orquestador: Murray Cutter.

Día 273: "The deceivers" de John Scott (1988)

2010-08-10T00:12:00.004+02:00

Realizador de filmes de culto como Time after time o Star Trek II, Nicholas Meyer sufrió un severo revés crítico y comercial con el estreno en 1988 de The deceivers (La secta de los falsarios). Protagonizada por un emergente Pierce Brosnan, la película es un curioso thriller religioso ambientando en la India de principios del siglo XIX.

El encargado de escribir el score no podía ser otro que el músico británico John Scott, tan familiarizado con los argumentos de época británicos más o menos históricos, como por ejemplo To the ends of the Earth, Greystoke, The shooting party o Mountbatten. En esta última banda sonora, también de decoración hindú, Scott ya reflejaba su particular estilo academicista en el que la influencia del maestro Edward Elgar se respiraba en los momentos de tono regio. En el caso de The deceivers deja de lado en parte lo pomposo para regalarnos una partitura abiertamente dramática que se sustenta en un brillante Main title, elegante y sobriamente intenso, que da paso a una sucesión temática quizás no a la altura de su precedente, pero sí muy comprometida con las desventuras del tribulado protagonista principal, William Savage.

Día 272: "The snows of Kilimanjaro" de Bernard Herrmann (1952)

2010-08-09T00:01:00.003+02:00

Situado entre Five fingers y White witch doctor, el score de Bernard Herrmann para The snows of Kilimanjaro (Las nieves del Kilimanjaro) es considerado como el más lírico del músico neoyorquino tras Vertigo. A pesar de que se encontraba ante el compromiso de sacar adelante un proyecto tan fallido como la película de Henry King, Herrmann dio lo mejor de sí mismo a la hora de describir las peripecias del arrogante y mujeriego escritor Harry Street, una especie de alter ego del autor original de la novela, Ernest Hemingway.

Sin embargo, para Herrmann The snows of Kilimanjaro constituía en su momento un largometraje sensible que, según sus propias palabras, le permitió escribir una partitura de profunda nostalgia (el prólogo muestra al protagonista gravemente enfermo en África recordando lo que fue su azarosa existencia), en la que la naturaleza jugaba un importante papel.

Estemos o no de acuerdo con su percepción del filme, lo que resulta indudable es la calidad de una obra musical de arrebatado romanticismo (temas como Nocturne o Memory waltz dan fe de ello), que esconde un profundo sentido de la presencia bucólica de la muerte.

Orquestador: Bernard Herrmann.

Día 271: "The red violin" de John Corigliano (1998)

2010-08-08T00:04:00.003+02:00

Tres bandas sonoras conforman la filmografía del compositor neoyorquino John Corigliano: Altered states, Revolution y The red violin. Las tres películas tienen en común su condición de rarezas muy cercanas al concepto de obras de culto.

The red violin (El violín rojo), realizada por el cineasta canadiense François Girard, narra la historia de un violín desde su creación en el siglo XVII hasta nuestros días, su evolución en relación a sus diversos dueños en diferentes países. Se trata de un apasionante viaje a través del tiempo y las culturas que se beneficia de la solvencia de Corigliano como autor clásico.

El score se estructura a partir de las ciudades que acogieron al violín: Cremona, Viena, Oxford, Shangai y Montreal. Desde esta perspectiva, The red violin se convierte en una partitura dependiente de lo geográfico, pero sorteando las obviedades más o menos folclóricas.

John Corigliano no es un autor previsible (quizás tan solo en su rendición ante el protagonismo de un instrumento) y con su tercera banda sonora consigue brindarnos una pieza orquestal de incontestable clasicismo, cuya vida fuera de la pantalla se ha traducido con el tiempo en innumerables representaciones de su Chaconne for violin and orchestra a lo largo de las salas de concierto de todo el mundo.

Orquestador: John Corigliano.

Día 270: "Lucía y el sexo" de Alberto Iglesias (2001)

2010-08-07T00:02:00.006+02:00

Desde 1980 con el cortometraje de Montxo Armendáriz Paisaje hasta 2009 con Los abrazos rotos, el músico guipuzcoano Alberto Iglesias ha escrito cerca de 50 bandas sonoras, 8 de las cuales han sido galardonadas con un Goya (ver lista de todos sus premios en imdb.com). Es por ello que puede ser considerado el más destacable compositor español cinematográfico.

En 2001 fue contratado por el cineasta Julio Médem para escribir la partitura de una de las películas más singulares del reciente cine ibérico: Lucía y el sexo. La historia de una joven camarera, interpretada por una sensual Paz Vega, quien, tras la pérdida de su novio, recuerda su vida de pareja desde los contrastes de las relaciones sentimentales, es dibujada musicalmente por Iglesias mediante una melodía central que toma la forma de un sugerente y voluptuoso vals. A partir de dicho tema la banda sonora se convierte en una especie de variaciones tonales relativamente ingenuas, pero cuya sencillez no es más que una manera de mostrar con matices frágiles un universo en el que el amor pasional se funde con las notas del pentagrama.

Día 269: "Land of the pharaohs" de Dimitri Tiomkin (1955)

2010-08-06T00:04:00.003+02:00

De las más de cien bandas sonoras escritas por Dimitri Tiomkin, Land of the pharaohs (Tierra de faraones), situada entre las intrascendentes Strange lady in town y The court-martial of Billy Mitchell, resulta una pieza sinfónica de primer orden. Su espectacularidad, acrecentada por la labor de seis orquestadores, se sitúa a la par de las imágenes del filme dirigido con singular brío por Howard Hawks, realizador con el que colaboraría en largometrajes como Red River, The thing from another world, The big sky o Río Bravo.

Land of the pharaohs se abre con un Main title que desarrolla la temática principal cuyo sobrecogedor sentido de lo épico lo convierte en una especie de obertura operística. La historia del ególatra faraón Khu-fu, obesionado con enriquecerse a toda costa de cara a su "segunda vida", es representada por Tiomkin mediante unas tonalidades muy cercanas a un mundo en el que sólo prima la ambición, la codicia y la búsqueda de grandeza. Cortes como Fighting the bull, Hymn to the hero o Sealing the tomb no hacen más que mostrar el carácter heroico de un score en el que brillan con luz propia todos los instrumentos de la orquesta, en una demostración de la eficiencia de un compositor casi siempre centrado en obras excelsas y alejadas de lo sutil.

Orquestadores: Lucien Cailliet, Manuel Emanuel, Paul Marquardt, George Parrish, Leonid Raab & Herbert Taylor.